Tobit e Ana com cabrito, 1626

DASARTES 84 /

Rembrandt van Rijn

Há 350 anos, o mundo perdia o grande mestre da pintura REMBRANDT VON RIJN. Para celebrar a data, o Rijksmuseum de Amsterdã criou uma programação especial para 2019, que começa reunindo, pela primeira vez, mais de 350 obras do artista que fazem parte de sua coleção

Sempre inovador e, com frequência, provocante, Rembrandt balançou o mundo da arte na Era de Ouro. Este ano marca o 350º aniversário de sua morte, mas, mesmo depois de três séculos e meio, sua arte e sua biografia épica continuam a nos inspirar e a nos mover. Acusado por seus contemporâneos de quebrar as regras da arte, Rembrandt não era apenas um vanguardista, era um rebelde. Sua recusa em seguir as convenções era justificada pela ambição de ser o maior contador de histórias que o mundo já conheceu.

Companhia Musical, 1626

FORMAÇÃO

Rembrandt foi o penúltimo dos dez filhos do dono de um moinho de Leiden, na Holanda. Ainda que sua situação plebeia não fosse favorável ao sucesso na carreira de artista, a prosperidade de sua família garantiu que ele pudesse ser treinado junto a dois pintores importantes da região: Jacob Van Swanenburg, de Leiden, e Pieter Lastman, de Amsterdã, ambos formados na Itália, então a “Meca” da arte. O talento da Rembrandt permitiu que, após apenas seis meses no ateliê de Lastman, o pupilo abrisse seu próprio estúdio e começasse a desenvolver seu estilo único, seguindo o conselho de seu professor: ir além de simplesmente copiar o trabalho de outros artistas para incorporar o que é bom e eficaz na arte do passado em algo novo. Esse conselho foi levado tão ao “pé da letra” que especialistas têm dificuldade em identificar os temas de algumas de suas primeiras pinturas independentes, como Leiden History Piece e Musical Company, ambas de 1626.

Jeremias lamentando a destruição de Jerusalém, 1630

Em 1631, Rembrandt estava a caminho de se tornar um dos maiores artistas de todos os tempos. Em seis anos de trabalho autônomo, dominara os truques do meio e alcançara certa fama. Não apenas cidadãos proeminentes de Leiden compravam suas pinturas, mas também conhecedores importantes de outras regiões, como Constantijn Huygens, que visitou seu estúdio em 1929, um dos pontos de virada da carreira do artista. Foi graças ao entusiasmo sem limites da Huygens por seu talento que várias de suas pinturas entraram nas coleções do príncipe Frederik Hendrik e do rei Charles I, da Inglaterra. Outra prova do sucesso de Rembrandt é o fato de que, já em 1628, ele passou a receber seus próprios alunos, começando por Gerrit Dou.

Embora Leiden fosse a segunda maior cidade da Holanda, tinha apenas alguns cidadãos ricos o suficiente para comprar as pinturas de Rembrandt e não oferecia o ambiente cosmopolita de outros grandes centros urbanos. Era hora de seguir em frente.

AMSTERDÃ

O excêntrico dândi de um de seus autorretratos, gravado por volta de 1631 é um novo homem. De repente, o filho do dono de um moinho se transformou  em um fidalgo despreocupado e rico, com ares de cortesão. Vestido à última moda em um manto e chapéu ricamente bordados, faz uma pose confiante. A inspiração veio de um autorretrato de Peter Paul Rubens, para muitos, o maior artista vivo da época e um ídolo para o jovem artista holandês. Rembrandt buscava chamar atenção para si, impressionando seu novo círculo na cidade que era o coração dinâmico da República Holandesa e divulgando suas habilidades como retratista. Pouco depois de tocar os pés na próspera metrópole, Rembrandt se tornou o novo “queridinho” da cidade e os anos de 1631 a 1642 seriam os mais gloriosos de sua carreira.

Renderização magistral de várias texturas de superfície e habilidade para infundir seus modelos com uma incrível sensação de vitalidade e sutileza psicológica

Embora fosse inexperiente com retratos formais, Rembrandt conseguiu inovar na representação de modelos individuais. O que é novo não era tanto suas composições ou as poses dos retratados, mas os contrastes originais do artista com luz e sombra, sua renderização magistral de várias texturas de superfície e sua habilidade para infundir seus modelos com uma incrível sensação de vitalidade e sutileza psicológica. Em sua estreia, o Retrato de Nicolaes Ruts, por exemplo, a composição de um homem com a mão apoiada nas costas de uma cadeira já tinha sido usada por Anthony van Dyck e Frans Hals. O que impressiona é a execução única dos pelos macios do manto e da barba, onde o pintor aplicou o seu truque de arranhar a tinta molhada, bem como os dramáticos contrastes de iluminação.

Os retratos de Rembrandt foram um sucesso instantâneo. Logo, a demanda por seu trabalho se tornou tão grande que, depois de uma curta estadia em Haia, onde pintou, entre outras coisas, um retrato da esposa de Prince Frederik Hendrik, Amalia van Solms, ele se mudou para Amesterdã definitivamente, em 1632. Dois anos mais tarde, casou-se com Saskia, filha de parentes de seu sócio Hendrik Uylenburgh. No mesmo ano, tornou-se oficialmente um cidadão de Amsterdã e abriu um estúdio sozinho no ano seguinte.

Ainda viva com pavões mortos, c. 1639

PINTURA HISTÓRICA

Depois de se estabelecer por conta própria, em 1635, Rembrandt reduziu drasticamente a produção de retratos comissionados e embarcou em uma série ambiciosa de grandes pinturas históricas. Elas combinaram a grande escala da Sagrada Família (c. 1634) com a ação explosiva encontrada em cenas como The Angel Appearing to the Shepherds. Talvez o trabalho mais impressionante dessa série seja o terrivelmente violento Cegando Sansão (1636), que viria a ser a imagem holandesa mais brutal do século 17.

Em 1635, embarcou em uma série ambiciosa de grandes pinturas históricas

Ao longo da década de 1630, o artista trabalhou em uma série de pinturas retratando a Paixão de Cristo para o príncipe Frederik Hendrik, que se tornaria a comissão mais importante do início de sua carreira. Perto do final da década de 1630, Rembrandt também pintou algumas paisagens e uma natureza morta, uma imagem concebida em grande escala de uma jovem que medita sobre dois pavões mortos.

Cegando Sansão, 1636

APOGEU

Como principal artista de Amsterdã, Rembrandt exigia uma casa e um estúdio que refletissem seu status. No início de 1639, ele assinou o título de propriedade de uma mansão na mesma rua onde havia sido aprendiz de Pieter Lastman, que mais tarde se tornaria o Museu Rembrandt, pagando o equivalente a 2,6 milhões de euros hoje. Nessa casa nasceu o primeiro filho do casal a sobreviver às primeiras semanas, Titus. Após a cerimônia de batismo, os convidados tiveram a chance de conhecer em primeira mão tela que se tornaria a mais famosa do pintor, um retrato coletivo do capitão Frans Banninck Cocq e outros 17 guardas cívicos, que viria a ser conhecida como A Guarda Noturna.

A Guarda noturna, c. 1642–1655

Rembrandt concebeu essa tela como um registro histórico. Em vez de fazer com que seus guardas simplesmente ficassem parados, colocou-os em movimento. A ação está implícita não apenas pela animação real das figuras, como o menino à esquerda correndo para acompanhar os guardas, mas também por meio de gestos, a direção dos olhares e o movimento das roupas e objetos. A atividade é acompanhada de sons, quando um mosquete é disparado bem atrás do capitão e uma figura bate um tambor à direita, fazendo latir o cachorro aos seus pés. O padrão irregular de luz e sombra na pintura aumenta a sensação de drama e dinamismo geral da cena. Suas enormes dimensões significavam que todas as figuras poderiam ser pintadas em tamanho maior que o real, algo inédito na época, mas também fizeram com que a tela tivesse que ser cortada em 1715, quando foi transferida para a Prefeitura.

As três cruzes, 1653

Cerca de um mês antes da entrega da pintura, em 1642, Saskia morreu e a produção de Rembrandt despencou, concentrando-se na criação de algumas pinturas e gravuras. Sua água-forte de 1648, Cristo pregando (que é conhecida como Gravura de Cem Guildas devido ao seu preço salgado) é comparada com a Guarda Noturna, devido ao manuseio da luz típica da pintura, que vai desde a brilhante iluminação à esquerda até as passagens à escuridão à direita e no fundo. Esses anos foram marcados por dificuldades pessoais, resultado de seu casamento com uma criada e sua difícil separação, marcada pela humilhação pública da qual sua reputação não escapou ilesa. A partir de 1953, retomou a produção de gravuras, criando novas tiragens a partir das pequenas mudanças nas placas mãe, detalhe que as tornaram objetos de desejo das classes abastadas.

Também são dessa época alguns de seus retratos mais nobres, como os de Aristóteles com o busto de Homero e Retrato de Jan 6º. No entanto, novas dificuldades pessoais – dessa vez, a recriminação pública da igreja por sua recusa em se casar com a amante grávida – reduziu ainda mais seu círculo de clientes e, consequentemente, sua posição financeira.

Autorretrato como o apóstolo Paulo, 1661

Em um de seus últimos autorretratos, de 1661, Rembrandt apareceu aos 54 ou 55 anos como o apóstolo Paulo. Parece um velho frágil. Obviamente, as provações e percalços de suas últimas décadas tiveram seu preço. Os anos restantes não foram menos tumultuados. Com suas finanças em decrepitude, sofreu um grande revés profissional e, pior, duas dolorosas perdas pessoais, de sua amante e de seu filho. Faleceu em 1969 e foi enterrado em uma cova alugada, sem lápide. Apesar das circunstâncias tristes de seus últimos anos, Rembrandt continuou a resistir a todas as tendências e permaneceu fiel à sua própria e incomparável busca de técnicas de pintura radicalmente inovadoras e à representação das mais profundas emoções humanas.

All The Rembrandt’s • Rijksmuseum • Amsterdã • 15/2 a 10/6/2019

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