Concetto Spaziale, Attese, 1959. © Fondazione Lucio Fontana, Bilbao, 2019.

Dasartes 88 /

Lucio Fontana

Testemunha das transformações políticas, culturais e tecnológicas que definiram seu tempo, LUCIO FONTANA se tornou uma referência fundamental da arte européia do pós-guerra. No limiar, no Guggenheim Bilbao, é uma de suas retrospectivas mais ambiciosas.

Os primeiros trabalhos de Fontana das décadas de 1930 e 1940 ilustram uma jornada de abstração crescente, não sem influências das correntes estéticas que marcaram aqueles anos complexos. Ao mesmo tempo, apontam para a natureza transgressora das telas laceradas que dominam sua produção subsequente.

Por meio de seus Ambientes Espaciais (Ambienti spaziali) e seus experimentos com luz e espaço, incluindo o uso de tubos de néon, Fontana experimentou bases para novos desenvolvimentos na arte de instalação e obras de arte imersivas.

No limiar, estabeleceu uma visão transversal e completa de uma figura que ecoou os conflitos e angústias que definiram grande parte do século 20: a partir das reconsiderações do classicismo pelas vanguardas e estéticas ligadas aos movimentos totalitários europeus, guerra mundial e a reorganização internacional dos movimentos artísticos no período pós-guerra, até o surgimento da tecnologia na chamada “era espacial”.

Lucio Fontana (1899-1968) é famoso principalmente por suas telas rasgadas, embora seja em 1949, após duas décadas de atividade plena, quando ele usou a tela pela primeira vez. A partir de 1958, o gesto radical com que rasga a pintura monocromática e a abre ao absoluto do espaço se tornou sistemático. O estilete se tornou, assim, um instrumento que destrava o plano bidimensional da pintura e fez com que uma profundidade quase mística intervenha nele. Sua obra permite rastrear as origens dessas formas e gestos essenciais nos períodos de formação e experimentação de Fontana, bem como observar as influências que diferentes movimentos artísticos de destaque na Itália e na Argentina tiveram em sua prática, entre os quais destacamos o futurismo, o neoclassicismo e o movimento Madí.

Concetto Spaziale, I Quanta, 1959.

PRIMEIRAS ESCULTURAS

Lucio Fontana iniciou sua carreira como escultor em Rosário (Argentina), em meados da década de 1920, nos negócios do pai, Fontana e Scarabelli, onde fez escultura fúnebre para os cemitérios de uma cidade com uma presença importante de imigrantes italianos. O jovem artista se mudou para Milão para treinar escultura clássica na Academia de Belas Artes de Brera. Logo mostrou alguma irreverência antiacademicista, preferindo a modelagem ao trabalho com talhadeira. Nos anos 1930, desenvolveu sua carreira na Itália, colocando escultura e relevo em gesso, terracota ou cerâmica no centro de sua prática. No estilo figurativo, Fontana adotou uma postura realista, material e altamente expressiva, inspirada nas esculturas antigas dos sarcófagos etruscos, como pode ser visto em seus retratos femininos, alguns deles pintados em cores ou em ouro. No entanto, Fontana é um artista eclético que absorve a tradição e assimila os movimentos de vanguarda, como o futurismo, que lhe permite manter certa singularidade estética sob o regime fascista na Itália. Em seu trabalho com argila, Fontana conseguiu fundir gêneros, temas e referências históricas, enquanto desafiava os limites da prática escultórica.

Conce2o Spaziale, Attesa, 1968.
Fotos: © Fondazione Lucio Fontana, Bilbao,

MATÉRIA

Fontana começou a usar, a partir dos anos 1950, materiais reflexivos, como glitter ou fragmentos de vidro em suas pinturas perfuradas. Para isso, ele enviava grandes quantidades de vidro da cidade de Murano para seu estúdio em Milão, onde os destruía. Na série Pedras (Pietre), Fontana explorou as peculiaridades do vidro para projetar a superfície da pintura no espaço do observador. Por outro lado, a série Óleos (Olii), que começou em 1957, apresenta recheios densos que ele criou aplicando com a espátula tiras largas de tinta a óleo diretamente do tubo até obter acabamentos brilhantes. Os Buracos, as Pedras, os Óleos e outros ciclos pictóricos dos anos 1950 estão muito próximos da Arte Informal, devido a seus processos semipictóricos e semiesculturais paralelos aos da modelagem de argila. De fato, em 1959, Fontana iniciou em Albissola uma série de esculturas coloridas intituladas Natureza (Natura). O artista descreve essas grandes e ásperas bolas de terracota com buracos e cortes como “nada, ou o começo de tudo”. As impressões digitais de Fontana, ainda visíveis em algumas das obras desta série, destacam seu vínculo físico com o material.

Campione Olimpionico [Atleta in Attesa], 1932

CORTES

No contexto do renascimento econômico italiano do pós-guerra, da corrida espacial e da crescente ameaça nuclear da Guerra Fria, Fontana criou suas obras mais emblemáticas: os Cortes (Tagli). Rompendo o plano pictórico, o gesto radical que os Cortes supõem constitui um ato de sabotagem para a disciplina da pintura. Fontana apresentou ao espectador uma forma literalmente feita de espaço. Em 1958, fez sua primeira pintura rasgada e logo refinou sua técnica: aplicou tinta uniforme e generosamente na tela e, ainda molhada, rasgou-a com uma faca. Quando a tinta já estava seca, modelava a abertura diretamente com as mãos. O último passo é consertar isso com um fragmento de gaze preta que adere às costas. Em 1959, ele iniciou uma série de pinturas em forma de hexágonos, pentágonos, círculos e outros perímetros irregulares. Suas superfícies dinâmicas estendem o campo monocromático da cor ao espaço circundante, como é o caso de Los Quanta, pequenas pinturas irregulares localizadas na parede como um todo. No caso da série O Fim de Deus, alguns “ovos astrais” de cores sintéticas sugerem a ideia de um enorme cosmos e um espaço infinito.

Concetto Spaziale, 1954.
© Fondazione Lucio Fontana, Bilbao, 2019.

ELEMENTOS REFLEXIVOS

Ao longo de sua carreira, Fontana experimentou materiais e superfícies refletivas. Sua cerâmica dos anos 1930 já explorava os efeitos da luz de vernizes, folhas de ouro e mosaicos, e em suas pinturas ele usava fragmentos de vidro, tinta brilhante e ouro e prata. O artista era fascinado pelo ouro, usado ao longo da história da arte em alguns dos objetos mais refinados e cuja enigmática reflexão metálica estava associada ao divino e à vida do além. O ouro prolifera durante o Barroco, tornando-se um elemento onipresente em temas arquitetônicos e ornamentais de igrejas e catedrais como resultado da Contrarreforma. Após sua primeira viagem a Nova York, em 1961, Fontana foi inspirado pelos arranha-céus de Manhattan e começou a usar materiais como cobre, latão e alumínio em uma série intitulada Metais (Metalli). A luz que afeta diretamente essas superfícies brilhantes retorna ao observador que inunda a arquitetura circundante, enquanto o efeito espelhado decompõe o reflexo do espectador na própria obra. Esses materiais permitem ao artista continuar sua exploração das possibilidades circundantes da pintura, bem como de sua profundidade e relação física com o observador.

Concetto Spaziale, Attesa, 1959.

AMBIENTES ESPACIAIS

Por meio do movimento que ele chamou de Espacialismo – de cujo Manifesto branco é o autor –, Fontana buscou a síntese das artes e sua abordagem multidisciplinar ampliava a noção de experiência artística que abrange o espaço como um todo. Foi pioneiro em instalações imersivas – que chamou de Ambientes Espaciais – e experimentou luz elétrica no espaço, incluindo o uso de tubos de néon. Algumas delas, como o arabesco monumental de néon, intitulado Estrutura de néon para a IX Trienal de Milão (1951) e duas instalações imersivas: Ambiente espacial: “Utopías”, na XIII Trienal de Milão (1964) e o Ambiente espacial com luz vermelha (1967). Essas três peças, cuja data de concepção compreende um período criativo de mais de três décadas, mostram o caráter pioneiro dos experimentos de Fontana em sua busca por uma obra de arte total. Com essas propostas, Fontana se destacou como pioneiro nos desenvolvimentos subsequentes de natureza contemporânea na arte contemporânea, onde a união de trabalhos esculturais, leves e arquitetônicos transcendeu a divisão tradicional das disciplinas artísticas.

Struttura al Neon para a IX Trienal de Milão. © Fondazione Lucio Fontana, Bilbao, 2019.

Compartilhar:

Confira outras matérias

Matéria de capa

Francis Bacon

Poucos pintores do século 20 se opuseram de forma tão marcada às interpretações de suas telas e, no entanto, tiveram …

Alto relevo

León Ferrari

A obra de León Ferrari questiona, de modo contundente, qualquer tipo de repressão e cerceamento perpetrados por estruturas de poder. …

Reflexo

Cildo Meireles

ESPAÇOS VIRTUAIS: CANTOS, 1967-1968/2008/2013

Minhas ideias nascem de maneiras diferentes, por razões diferentes. Às vezes, um pequeno detalhe ou um fato: …

Panorama

Antony Gormley

“Eu não observo a paisagem, eu observo a passagem”. Montaigne

Há uma poética muito particular na obra de Antony Gormley, na …

Do mundo

Tomás Saraceno e Dominique Gonzalez-Foerster

Com sua nova mostra, o museu Thyssen-Bornemisza, em Madri, expõe obras de Tomás Saraceno e Dominique Gonzalez-Foerster com dois objetivos; …

Matéria de capa

Zanele Muholi

Zanele Muholi (1972) é ativista visual e fotógrafa e mora em Joanesburgo. Segundo a artista, sua autoproclamada missão é “para …

Destaque

Lucian Freud

Em 8 de dezembro de 1992, Lucian Freud completou 70 anos. Considerado então o maior pintor vivo da Grã-Bretanha, após …

Flashback

William Blake

William Blake (1757-1827) repousa, certamente, entre os maiores artistas da Inglaterra. Trabalhou como poeta, pintor e gravurista, deixando uma obra …

Reflexo

Daniel Senise

 

O BEIJO DO ELO PERDIDO  E QUASE INFINITO

Entre 1991 e 1992, fiz duas telas aparentemente bem distintas que desde então …

Garimpo

Mano Penalva

Nascido em Salvador, Mano Penalva vive e trabalha em São Paulo e atualmente realiza a exposição individual Casa de Andar, …

Matéria de capa

Keith Haring

O artista e ativista Keith Haring (1958-1990) surgiu como parte da vibrante cena artística do centro da Nova York dos …

Flashback

Man Ray

O início do século 20 ecoava velozes transformações tecnológicas, enquanto o pensamento artístico insurgia no rompimento com o clássico. É …

Alto relevo

Olafur Eliasson

O artista dinamarquês-islandês Olafur Eliasson, nascido em 1967, criou um amplo corpo de trabalhos que inclui instalações, esculturas, fotografias e …

Do mundo

Takesada Matsutani

A retrospectiva permite traçar de forma ampla uma rota rica e original, começando a partir de um primeiro período que …

Garimpo

Anaisa Franco

Nascida em Uberlândia (MG), Anaisa Franco é mestre em Arte Digital e Tecnologia pela Universidade de Plymouth, na Inglaterra, e …