Untitled, 1985. © Keith Haring Foundation, The Broad Art Foundation

DASARTES 136 /

KEITH HARING

QUARENTA ANOS DEPOIS, A ARTE DE KEITH HARING CONTINUA A GANHAR RECONHECIMENTO MUNDIAL, QUEBRANDO BARREIRAS E ESPALHANDO ALEGRIA, AO MESMO TEMPO EM QUE ILUMINA QUESTÕES COMPLEXAS QUE PERMANECEM CRUCIAIS HOJE EM DIA – DESDE O CAPITALISMO E A PROLIFERAÇÃO DE NOVAS TECNOLOGIAS ATÉ À SEXUALIDADE E À RAÇA. A PRIMEIRA EXPOSIÇÃO DO TRABALHO DE HARING EM UM MUSEU EM LOS ANGELES CAPTURA TODO O ARCO DE SUA EXPANSIVA PRÁTICA

ARTE É PARA TODOS

Untitled, 19888. © Keith Haring Foundation.

Nascido em 1958, Haring cresceu em Kutztown, Pensilvânia, onde o pai, Allen, o ensinou a fazer desenhos de Walt Disney. Mudou-se para Nova York, em 1978, para se matricular na Escola de Artes Visuais (SVA). Em Nova York, ele abraçou sua homossexualidade, que moldou sua visão de mundo e prática artística. A cidade pulsava com energia com o surgimento do hip-hop, da arte do Graffiti e de uma cena noturna ativa. Em espaços alternativos, como Club 57 e Paradise Garage, Haring desenvolveu seu estilo visual ao lado dos artistas Kenny Scharf e Jean-Michel Basquiat, das performers Grace Jones e Madonna, entre muitos outros.

Haring ultrapassou limites, criando fora dos espaços artísticos tradicionais. Ele fez desenhos a giz em estações de metrô de Nova York e murais em todo o mundo, trabalhou com jovens, colaborou frequentemente em diversas disciplinas e assumiu projetos comerciais. As obras públicas de Haring foram muitas vezes feitas ilicitamente, e o imediatismo dinâmico é uma marca registrada de seu estilo. Ao mesmo tempo, Haring ganhou atenção internacional de colecionadores, exibindo sua arte em galerias e museus.

Untitled, 1982. © Keith Haring Foundation.

Untitled, 1982. © Keith Haring Foundation.

O ativismo de Haring foi fundamental para a sua prática. Ele usou suas imagens e celebridade para protestar contra o apartheid na África do Sul, aumentar a conscientização sobre a epidemia de crack e a crise da AIDS e apoiar causas que vão do desarmamento nuclear à Unicef. Em fevereiro de 1990, Haring morreu de complicações relacionadas à AIDS aos 31 anos. Em sua curta, mas prolífica carreira, Haring produziu um notável volume de trabalho orientado pela crença inabalável de que a arte é essencial para criar um mundo melhor, de fato: A arte é para todos.

 

De 1982 a 1984 foi o auge do rap e do breakdance… Incluía grafite em spray porque havia uma cena de Graffiti. Parte da cena hip-hop da época era o equivalente visual, então você tinha a música – que era scratch e rap – e a dança, do breakdance ao boogie elétrico… Muita da minha inspiração vinha de assistir dançarinos de break, então meus desenhos começaram a girar em suas cabeças e girar e girar. O trabalho fazia referência direta à cultura hip-hop. (Keith Haring, 1989)

 

Em seus primeiros trabalhos, a sexualidade era frequentemente explicitada. Seus símbolos mais conhecidos do bebê radiante e do cachorro latindo surgiram ao lado de figuras envolvidas em sexo anal sendo eletrocutadas por discos voadores e com pênis eretos radiantes. Naquela época, ele refletia: “… Fiquei feliz, porque de repente descobri que minha arte estava florescendo, assim como minha sexualidade e as oportunidades pareciam próximas”.

Red Room, 1988. © Keith Haring Foundation, courtesy of The Broad Art Foundation.

Em novembro de 1978, Haring participou da Nova Convention, um simpósio em homenagem ao poeta beat William S. Burroughs. Grandemente influenciado pelo evento, Haring se afastou do desenho e da pintura e começou a experimentar a linguagem, principalmente por meio do vídeo e da performance. A técnica de “corte” de Burroughs e Gysin para quebrar a linguagem, descrita em seu livro A Terceira Mente, inspirou o estilo artístico de Haring. Este traduziu essa prática linguística para uma prática visual, desenvolvendo uma série de pictogramas que se repetem em diferentes combinações para produzir um significado novo e em constante evolução e uma comunicação expansiva e inclusiva. O desenvolvimento de uma linguagem visual por Haring também foi informado por sua compreensão da semiótica, o estudo dos signos, na qual ele teve aulas na SVA.)

 

O deslocamento das formas e a capacidade de mudar, reorganizar, agrupar, isolar e controlar a forma para um número infinito de efeitos – nunca “finais”, nunca “acabados”. (Keith Haring, 1979)

 

Minha contribuição para o mundo é minha habilidade de desenhar. Vou desenhar o máximo que puder para o máximo de pessoas que puder, enquanto puder. O desenho ainda é basicamente o mesmo desde os tempos pré-históricos. Ele une o homem e o mundo. Ele vive através da magia. (Keith Haring, 1982)

Untitled, 1983. © Keith Haring
Foundation , Courtesy of Edward Tyler Nah.

O trabalho de Haring foi impulsionado pela visão utópica de atingir um público amplo e provocar mudanças. Na altura, a eleição de Ronald Reagan, em 1981, marcou o início de uma virada conservadora na política dos EUA. Haring estava ciente dessas mudanças sociais, embora seus escritos e declarações sobre seu privilégio fossem escassos. Ele foi um artista branco que utilizou referências não ocidentais, indígenas e pré-modernas – de esculturas totêmicas a formas maias e hieróglifos egípcios. Embora Haring tenha produzido sua obra a partir de uma posição de resistência ao conservadorismo do país, a questão da apropriação cultural na simbologia do artista é hoje óbvia. Apesar da complexidade de sua posição, Haring aplicou sua linha com confiança em mídias e escalas, de pinturas em lona a pôsteres e características arquitetônicas como as portas embelezadas com desenhos de cobras.

Ao chegar a Nova York, Haring ficou imediatamente intrigado e inspirado pelos grafites que viu nas ruas e no metrô. Ele admirava profundamente as formas e linhas feitas pelos grafiteiros com tinta spray. No Espetáculo, na Times Square, em 1980, Haring expôs ao lado dos infames grafiteiros Fab Five Freddy (Fred Brathwaite) e Lee Quiñones, que se tornaram amigos e apresentaram Haring a outros grafiteiros. Naquele verão, Haring conheceu LA II (Angel Ortiz), de 13 anos, depois de notar sua assinatura por toda a cidade. Eles começaram a colaborar, combinando suas linhas distintas em pinturas e esculturas.

Untitled, 1985. © Keith Haring Foundation, The Broad Art Foundation.

Em 1982, com LA II, Haring teve sua primeira grande exposição na Tony Shafrazi Gallery, na Mercer Street, no Soho. O subsolo da galeria foi transformado com pintura de listras nas paredes, exposição de trabalhos feitos com tinta Day-Glo e iluminação do espaço com luz ultravioleta. Apresentou uma densa variedade de obras de arte abrangendo vários meios, mas resistiu em fazer pinturas em tela: muitas de suas obras mais célebres são pintadas em lonas reforçadas com ilhós, do tipo que você encontra em uma loja de ferragens, como forma de contornar materiais tradicionais da arte.

A exposição foi inaugurada alguns meses depois de Haring pintar um mural icônico na esquina da Houston Street com a Bowery, a poucos quarteirões da galeria, que incluía rostos de três olhos cor-de-rosa brilhante, dançarinos de break verdes girando sobre suas cabeças e o símbolo nuclear – imagens que também apareceram nas obras da mostra. Quatro anos depois de chegar a Nova York, a cidade estava saturada de ícones de Haring, que se repetiam em suas pinturas, desenhos de metrô, murais públicos, e cartazes.

With LA II (Angel Ortiz) Statue of Liberty, 1982.
© Keith Haring Foundation , courtesy of Rubell Museum.

 

Tento fazer imagens que sejam universalmente “legíveis” e autoexplicativas. Um artista é um porta-voz de uma sociedade em qualquer momento da história. A sua linguagem é determinada pela sua percepção do mundo em que todos vivemos. Ele é um meio entre “o que é” e “o que poderia ser”. Se um artista é realmente honesto consigo mesmo e com a sua cultura, ele deixa a cultura falar através dele e impõe seu próprio ego o menos possível. (Keith Haring, 1984)

 

Untitled, 1981. © Keith Haring Foundation.

Algumas obras de Haring abordam temas de mortalidade, espiritualidade e moralidade. As cruzes são frequentemente descritas como figuras perfurantes de armas e empunhadas como ferramentas de opressão. Haring usou a iconografia cristã de forma subversiva para comentar questões sociais e políticas e para expressar a hipocrisia da direita cristã, que desempenhou um grande papel na retórica da época, à medida que os líderes religiosos faziam lobby contra os preservativos e a educação sobre o sexo seguro e o Vaticano mantinha uma firme posição antigay, posição além da então crescente epidemia de AIDS.

Em seu trabalho, Haring frequentemente abordava a ansiedade de viver durante a corrida armamentista nuclear da Guerra Fria. O símbolo atômico e a nuvem em forma de cogumelo aparecem regularmente nas imagens de Haring, e ele notou a semelhança das formas de suas esculturas de vasos com as torres de resfriamento nuclear. Participou de um comício pelo desarmamento nuclear no Central Park, em 1982, distribuindo 20 mil cartazes que publicou por conta própria. Em 1986, ele pintou uma parte do lado ocidental do Muro de Berlim, perto da famosa passagem dos Aliados, Checkpoint Charlie, que ele descreveu como “uma tentativa de destruir psicologicamente o muro pintando-o”. Ele também visitou o Japão, testemunhando os terríveis resultados da guerra nuclear usada em Hiroshima e Nagasaki em uma série de desenhos a tinta de 1984.

 

A “responsabilidade social” que encontro no meu trabalho está estampada nele mesmo. A arte se torna a forma como definimos nossa existência como seres humanos. Isso tem um ar perverso, admito. A própria ideia de que somos tão diferentes de outros seres (animais) e coisas (rochas, árvores, ar, água) é, penso eu, um grande equívoco, mas se compreendido não é necessariamente mau. Sabemos que os “humanos” determinam o futuro deste planeta. Temos o poder de destruir e criar. Nós, depois de tudo o que foi dito e feito, somos os perpetradores da destruição da Terra que habitamos. (Keith Haring, 1986)

top AIDS, 1989. © Keith Haring Foundation

À medida que a epidemia de AIDS crescia no final da década de 1980, Haring usou suas imagens e celebridade para consciencializar para o assunto. Muitas obras de arte desse período abordam doenças e mortalidade. Haring colaborou com outros ativistas e organizações que divulgam informações sobre como o HIV se espalha, promovem o sexo seguro e fornecem ajuda para pessoas afetadas. A AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP) foi uma organização que Haring apoiou financeiramente e de forma ativa, pela criação de cartazes e folhetos que refletissem sua mensagem. Em 1988, Haring foi diagnosticado com AIDS. Logo depois, ele criou a Fundação Keith Haring para continuar seu legado artístico e com o intuito de fornecer financiamento a organizações contra a AIDS para a educação, pesquisa e cuidados, bem como a grupos que trabalharam com crianças e comunidades marginalizadas.

Não sei se tenho cinco meses ou cinco anos, mas sei que meus dias estão contados. É por isso que minhas atividades e projetos são tão importantes agora. Fazer o máximo possível o mais rápido possível. Tenho certeza de que o que viverá depois que eu morrer é importante o suficiente para fazer sacrifícios do meu luxo pessoal e do meu tempo de lazer agora. O trabalho é tudo que tenho e a arte é mais importante que a vida. (Keith Haring, 1987)

Sarah Loyer é curadora e gerente
de exposições do museu The
Broad, em Los Angeles, California.

KEITH HARING: ART IS FOR EVERYBODY
• THE BROAD • LOS ANGELES •
27/5 A 8/10/2023
• ART GALLERY OF ONTARIO • TORONTO •
11/11/2023 A 17/3/2024

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