Untitled, 2005 (Fatal Group) © KAWS
Together, 2017. Foto: Joshua White © KAWS
KAWS: COMPANHEIRISMO NA ERA DA SOLIDÃO
Brian Donnelly, também conhecido como KAWS, nasceu em 1974, em Nova Jersey, e começou como grafiteiro e artista de rua. Agora, vivendo e trabalhando no Brooklyn, Nova York, KAWS se envolve com as complexidades da vida moderna e do ambiente contemporâneo, e os contrasta com a estética da cultura pop e de rua.
Admirado por suas esculturas de grande escala e pinturas coloridas, KAWS emprega um elenco híbrido de cartoons e personagens humanos, desenhados a partir da cultura pop ao longo de gerações, para formar um vocabulário artístico distinto.
O prolífico corpo de trabalho de KAWS une os mundos da arte e do design ao incluir pinturas, murais, grandes esculturas, arte pública e de rua e design gráfico e de produtos. Seu trabalho está repleto de humor, humanidade e um senso agudo da precariedade de nossos tempos. O trabalho de KAWS nos lembra que precisamos um do outro e, diante do medo e do ódio, devemos procurar viver com compaixão para combater essa “era da solidão”.
KAWS cresceu em Jersey City, Nova Jersey, como parte da geração pós-Wild Style e Style Wars. Jersey City era sonolenta em comparação à gigante urbana Manhattan, do outro lado do rio Hudson. Os primeiros grafiteiros com os quais se familiarizou foram aqueles que trabalhavam localmente, e seus passos iniciais para se tornar um artista surgiram por meio da escrita ou tagging na adolescência, com a marca “KAWS”, logo se tornando predominante no bairro de Jersey City.
No final dos anos 1880, o skate levava KAWS regularmente à cidade de Nova York, com uma viagem barata e curta de trem. Lá, ele conheceu um grupo maior de jovens interessados em skate e grafite e logo passou a criar grafites mais ambiciosos.
Com KAWS trabalhando em Jersey City e Manhattan, essas obras de grande escala aumentaram sua visibilidade dentro da comunidade do grafite. Elaborava desenhos detalhados em paredes e outdoors e nas laterais de trens de carga que se moviam por todo o país.
O primeiro trabalho de KAWS em um outdoor foi criado em 1993, em um anúncio para a bebida Capitain Morgan’s Spiced Rum. Quando a empresa fez referência ao grafite em sua campanha, em 1995, criando a tag “O capitão esteve aqui”, KAWS pintou um de seus outdoors e anúncios de revista, em escala mais íntima. Essas obras, juntamente com uma intervenção no anúncio da Marlboro, representam as primeiras vezes em que o artista identificou um ícone cultural e se inseriu em seu contexto, uma abordagem que sustentaria grande parte de seu trabalho subsequente. O mais presciente deles pode ter sido seu trabalho em um outdoor da MetLife de 1995, que apresentava os personagens Snoopy e Woodstock da tira de quadrinhos Peanuts, de Charles M. Schulz.
New morning, 2012 © KAWS.
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Em 1996, KAWS começou a trabalhar em escalas menores de pôsteres publicitários. Tendo recebido uma chave-mestra de um amigo, ele conseguiu destrancar os armários de publicidade nas laterais de abrigos de ônibus e cabines telefônicas. KAWS removia os pôsteres e trabalhava neles no estúdio, depois os devolvia à esfera pública assim que os terminava. Em vez de criar grafites apressados, executados com urgência em público, com medo de ser pego, o artista agora podia passar horas trabalhando em cada pincelada e aperfeiçoando o trabalho em seu próprio tempo.
Esse novo meio e método de pintura proporcionaram uma linha mais confusa entre original e intervenção, que, por sua vez, criou novas tensões entre a forma e o conteúdo das obras; entre coabitação, celebração e crítica. Suas criaturas e crânios introduzidos começaram a ter um significado fluido quando lidos com a mensagem do anúncio original.
Untitled, 2014 © KAWS
KAWS colaborou com o aclamado fotógrafo de moda David Sims em uma série de trabalhos, como parte de suas intervenções anteriores e não autorizadas de publicidade de moda. Embora as fotografias de Sims tenham aparecido em vários anúncios pintados por KAWS, este foi seu primeiro projeto colaborativo. Sims forneceu a KAWS impressões originais de suas fotografias, incluindo várias fotos icônicas com a modelo Kate Moss, um retrato de Iggy Pop para a capa do seu álbum Naughty Little Doggie (1996) e uma fotografia do ator Gary Oldman na capa da revista The Face, em 1992. Desde 1997, KAWS é convidado por várias revistas e marcas para criar e, às vezes, intervir em obras de arte para as capas das revistas e editoriais.
Em 1997, em um gesto de homenagem, KAWS pintou um pôster do artista Keith Haring. Neste trabalho, KAWS retrata sua figura chamada BENDY, envolvida em Haring enquanto desenha um dos cinco mil desenhos de giz que se estima que tenha concluído na esfera pública. A popularidade do trabalho de Haring explodiu durante o início dos anos 1980, a ponto de as pessoas removerem seus trabalhos do metrô quase imediatamente após ele tê-los terminado, a conclusão, espelhando a experiência de KAWS com suas intervenções em pôsteres publicitários.
O trabalho de Haring na esfera pública – fora do contexto de museus e galerias – e seus esforços para democratizar a arte, deixaram uma forte impressão em KAWS.
KAWS e David Sims, Untitled, 2001 © KAWS.
Em 2000, KAWS criou uma série de pinturas acrílicas sobre tela com um design com o qual ele trabalhava anteriormente nas intervenções de publicidade em pontos de ônibus e telefone, inserindo um fundo preto e a figura chamada CHUM, articulada em branco. Levando essa abordagem adiante, KAWS produziu um conjunto de cenas branco e pastel sobre preto, com personagens vindos de diversas fontes envolvidos em uma batalha de supremacia.
É um estilo que se assemelha aos desenhos de giz de Keith Haring.
Depois de se formar em 1996 em Ilustração, na Escola de Artes Visuais de Manhattan (a mesma que Keith Haring frequentou), KAWS trabalhou por três anos no estúdio de animação Jumbo Pictures, pintando para séries como 101 Dálmatas e Doug, da Disney, e para o programa cult da MTV, Daria. Trabalhar com animação apresentou materiais e metodologias que KAWS ainda usa em sua prática atual.
O tema caveira apareceu pela primeira vez no trabalho de KAWS em 1996 e, juntamente com o uso dos dois X nos olhos, tornou-se uma assinatura que ele continuou a usar quando começou a desenhar personagens retirados de histórias em quadrinhos e desenhos animados. Nesses trabalhos, KAWS adotou uma estratégia artística de apropriação, como fez em suas intervenções publicitárias. Dessa vez, no entanto, as pinturas exigem criação desde o início e os personagens de desenhos animados se tornam o objeto encontrado.
Untitled (Kimpsons), 2004 © KAWS
Os materiais e o método de trabalho agora registrados de KAWS são aparentes: a tinta acrílica e a técnica típica de animação em celuloide de pintar por números a partir de uma paleta definida para garantir consistência. Como nos corpos de trabalho anteriores, há um desejo subjacente, nascido da escrita, do grafite e da arte de rua, de encontrar maneiras de deixar uma marca, de nos vermos refletidos dentro de nossa paisagem cultural.
A inserção de seus traços icônicos no universo inalterado dos Simpsons, por exemplo, age de certa forma como uma tag na paisagem urbana. Quer esteja escrevendo “KAWS” em um muro de Jersey City, em 1992, ou deixando um personagem conhecido sem visão ao pintar um X em seus olhos, o gesto de marcar e o impulso por trás dele permanecem os mesmos.
KAWS começou a fazer obras esculturais de pequena escala no final dos anos 1990, após visitas ao Japão, onde descobriu uma próspera comunidade de bonecos colecionáveis. Baseando-se em elementos de desenhos animados famosos e personagens da cultura pop, as esculturas de KAWS têm apelo universal. Elas geralmente incorporam afeto, fragilidade, humildade e vulnerabilidade e estão entre as obras mais emocionais do artista. As esculturas ressoam e se envolvem com questões contemporâneas, como a solidão, a falta de contato humano na sociedade de hoje e o desamparo diante dos tempos sombrios e de um mundo cada vez mais fragmentado. Sua escultura, GONE (2019) está entre as mais poderosas dessas declarações e a maior escultura de bronze do artista até hoje. A obra é uma representação emocional da perda, com a pose que remete à famosa escultura renascentista de Michelangelo, Pietà, que descreve um Cristo sem vida, embalado nos braços de sua mãe Maria, após a crucificação.
Nos últimos anos, as esculturas de KAWS se tornaram abertamente emocionais ou empáticas, começando com o trabalho COMPANION (PASSING THROUGH), de 2011. Esse companheiro parece aparentemente inconsolável, cobrindo o rosto com as mãos, obscurecendo os olhos e talvez as lágrimas brotando neles. Uma série de variações do desamparado foi explorada por KAWS em trabalhos posteriores, que geralmente apresentam figuras singulares de ombros caído. TOGETHER (2017), CLEAN SLATE (2015) e WAITING (2017) são exemplos em que o artista apresenta o antídoto para esses sentimentos avassaladores, com um segundo COMPANION colocando o braço sobre os ombros do outro de maneira tranquilizadora. O segundo COMPANION oferece companheirismo, fazendo jus ao nome, como as figuras anteriores CHUM e ACCOMPLICE também fizeram, de diferentes maneiras.
Sem titulo.
KAWS: COMPANHEIRISMO NA ERA DA SOLIDÃO •
NATIONAL GALLERY OF VICTORIA • MELBOURNE •
10/9/2019 A 12/4/2020
