IANELLI, O ARTISTA ESSENCIAL

Sem título, 1971. © Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerini

Ianelli foi um artista do fazer, obsessivamente dedicado ao métier, e intransigente quanto ao lugar da pintura. Tendo feito o percurso habitual de sua geração, realizou obras acadêmicas, seguidas por pinturas com acentos cezannianos, que foram se tornando cada vez mais sintéticas até o mergulho na abstração, encaminhando-o, sem volta, à busca da essência. Em uma trajetória pessoal, sem filiação a nenhum movimento, Ianelli fez sua opção pela arte pura em um momento em que a pop art chegava ao Brasil com força total, revestindo-se, em nosso país, de características políticas derivadas das restrições impostas pela ditadura. Havia no ar uma cobrança por engajamento que Ianelli recusava. Ao longo de sua vida, ele iria muitas vezes se manifestar sobre isso:

O quadro deve falar apenas por si, sem necessidade de dissertações. Deve transmitir algo às pessoas sensíveis somente pelo conteúdo pictórico. Nunca com a finalidade de “contar uma história, revelar estados psíquicos, etc.”. Devemos deixar esse problema aos literatos, que se expressam muito melhor em seus livros. Um pintor deve ter em mente realizar, antes de mais nada, pintura. Um quadro não é um livro contador de histórias, descritivo, destrutivo ou explicativo. Pouco importa o que possa representar. Antes de tudo, terá que ser observado e analisado como pintura, na correlação das formas e das cores, em suma, valores plásticos na sua visão mais pura e essencial. E o essencial é que deve irradiar aquela sublime sutileza, aquela misteriosa mensagem, tão difícil de descrever, mas que se sente através dos olhos e da sensibilidade e que se chama simplesmente: Arte.”

O PERCURSO 

Grafismo em azul, 1968. © Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerini

Arcangelo Ianelli nasceu em São Paulo, no emblemático ano de 1922, e, desde menino, gostava de desenhar. Matriculou-se no curso noturno da Associação Paulista de Belas-Artes, em 1940, e lá conviveu com artistas de origem italiana como ele, entre os quais estavam Mario Zanini, Perissinotto e Angelo Simeone. Estudou perspectiva, participou de muitas sessões de modelo-vivo e, aos fins de semana, saía com o grupo para pintar os arredores da cidade, naquele momento ainda quase rurais. A linguagem adotada pela Associação remetia ao chamado Novecento italiano, que incorporava algumas lições da modernidade, mas sem romper inteiramente com a tradição. As obras de Ianelli desse período seguem essas diretrizes: são serenas, sem grandes inovações e sem rasgos autorais, porém, a importância dada ao aspecto artesanal da pintura pelo grupo permitiu a Ianelli conhecer os processos básicos do métier: o uso dos pincéis, tintas e telas, que sempre eram relevantes para ele. Ficou também marcada uma conversa com Simeone que, vendo a dificuldade de Ianelli para representar certos objetos de uma natureza-morta, observou a ele que, terminado o quadro, a natureza-morta, modelo da composição, seria desmanchada e ninguém se lembraria se o vaso era azul ou branco, ou se a maçã estava aqui ou ali. Foi uma lição que marcou o artista, pois, a partir dela, ele compreendeu que o assunto não importa, pois o que fica é a pintura.

Logo Ianelli preferiu fazer seus estudos de forma mais livre, frequentando, por curto período, o ateliê de Colette Pujol e, com mais assiduidade, o de Waldemar da Costa, onde conheceu Fiaminghi, Charoux e Maria Leontina. Instalado em uma modesta garagem, Waldemar dava algumas aulas de teoria e história da arte, mas deixava os alunos livres para pintar à sua maneira, comentando seus trabalhos e dando orientações sobre composição e uso de materiais.

Depois dessas vivências, Ianelli optou por um caminho de autoaprendizado, trabalhando sozinho, quase sempre à noite, pois, já casado com Dirce, ainda mantinha um escritório no prédio Martinelli, onde trabalhava como vendedor de títulos de capitalização.

ANOS 1940 E 1950

Kátia e seus brinquedos, 1955. © Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerini

Em 1948, Ianelli participou da fundação do Grupo Guanabara, que recebeu esse nome por ter como ponto de encontro a oficina de molduras e o ateliê de pintura de Tikashi Fukushima, situada no largo da Guanabara, bairro do Paraíso, local destruído quando da abertura da avenida 23 de Maio. É bastante interessante a opção de Ianelli pelo grupo, revelando sua vontade de ter uma produção independente de correntes e movimentos. De fato, não havia imposição de qualquer tendência, todos pintavam livremente, discutiam sobre arte, e faziam passeios e viagens para pintar juntos.

Mais importante que um caminho artístico, o Grupo Guanabara permitiu a Ianelli participar do circuito de arte e conhecer críticos como Sergio Milliet, Lourival Gomes Machado e Paulo Mendes de Almeida, que logo se interessaram por sua produção. Ianelli passou a enviar suas obras para salões, sendo selecionado para vários deles e recebendo prêmios como a Medalha de Bronze, no LIV Salão Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, em 1949, pela natureza-morta intitulada Em preparo. Em 1950, Ianelli realizou sua primeira exposição individual na Galeria Itá, em São Paulo, um momento no qual fez, definitivamente, sua opção profissional, passando a organizar sua vida voltada à pintura – de modo a viver dela e para ela.

Seus temas alternam entre interiores de ateliê e de igrejas, paisagens urbanas, barcos, mastros e alguns retratos, notadamente de sua filha Katia. Os trabalhos despertaram a atenção da crítica, tanto pela economia de traços, quanto pelo colorido de tons baixos, classificado por alguns como tristes e, por outros, como herdeiros da chamada cor paulista.

Durante esse período, ainda figurativo, Ianelli consolidou uma linguagem própria, e sua obra se encaminhava para uma síntese, que o colocava no caminho da abstração.

ANOS 1960

Ontem perdido, 1968. © Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerini

Curiosamente, para um artista cuja obra é marcada pelo desenvolvimento em linha reta, Ianelli faz um détour no seu percurso, em um período que se estendeu de 1961 a 1969. Classificada por Paulo Mendes de Almeida como uma fase de transição, essa produção aconteceu em um momento em que havia um predomínio da corrente informalista no Brasil. A passagem pelo Grupo Guanabara certamente teve parte nessa escolha, visto que havia um grande paralelismo entre a produção informal de Ianelli e a de artistas nipônicos no Brasil, como Manabu Mabe e Tomie Ohtake. Sob outra ótica, muito mais que uma passagem, essa fase foi um momento pleno de pesquisa e experimentação, uma opção que não foi vã na trajetória do artista, pois, apresentando essa linha de trabalho no Salão Nacional de Arte Moderna, no Rio de Janeiro, Ianelli despertou a atenção de Mario Pedrosa, e foi convidado por ele, em 1960, a fazer uma individual no Museu de Arte Moderna de São Paulo e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Também com essa vertente, ele receberia, em 1964, o prêmio de Viagem ao Exterior do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), na época, uma das mais importantes premiações do país.

ANOS 1970

Sinfonias em branco,1973.
© Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerini

Sinfonias em branco,1973.
© Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerini

Sem título,1975. © Arcangelo Ianelli. Foto: Sergio Guerin

Parte dessa fase foi desenvolvida durante a viagem ao exterior, proporcionada pelo prêmio do SNAM. Ianelli viajou com a família, e seu primeiro destino foi Roma, onde pintava pela manhã e visitava museus e galerias à tarde. Ficaram na Europa por dois anos, período no qual ele fez exposições individuais e participou de coletivas em várias cidades da Itália, Alemanha, Espanha, França, Portugal e Suíça. Encontrou amigos do Brasil, como Cícero Dias, Shiró e Sérgio Camargo, e fez novos, como Corneille e Argan. Pintando constantemente, muitas vezes em condições pouco adequadas, o artista teve, na volta ao Brasil, uma intoxicação pela tinta a óleo. Proibido de trabalhar com ela, recorreu à têmpera como alternativa. A têmpera é uma técnica antiga na qual os pigmentos são misturados a um aglutinante, em geral, ovo. Seu tempo de secagem é muito rápido, o que pede uma execução ágil. A cor tem que ser criada pelo artista que, com isso, ganha também a liberdade de experimentar densidades e coloraturas. Essas características e possibilidades do material se refletiram na obra de Ianelli, que retomou a geometria, desenvolvendo a série Balé das formas, na qual a grande protagonista é a linha diagonal, que separa cores e espaços, criando encontros de formas que, de fato, parecem dançar.

Muitas vezes vista como uma fase concretista tardia, Balé das formas se remete mais à op art, pois seu cerne é o movimento. Conforme vai compreendendo tecnicamente a têmpera, Ianelli se apropriou da textura aveludada do material, percebeu a profundidade que poderia ser alcançada pela supressão do brilho e também as possibilidades da transparência. Aos poucos, substituiu os triângulos por retângulos, criou justaposições e superposições, integrou cor e forma; não excluiu o movimento, mas o tornou leve, como um sopro. Ianelli havia chegado a uma linguagem única, própria e inconfundível. A partir desse momento, que ocorreu em meados de 1970, não havia mais dúvida ou hesitação, e seu trabalho foi se desenvolvendo, coerente e consequentemente, quase como se independesse do artista. Parafraseando Willys de Castro: “Ianelli pinta Ianellis”. Em 1973, o artista recebeu, no Panorama de Pintura, o Prêmio Museu de Arte Moderna de São Paulo, e duas obras suas passaram a integrar o acervo da instituição.

Dois anos depois, Ianelli foi convidado pelo arquiteto João Kon a produzir um mural na fachada de um edifício projetado por ele, e situado na avenida Brigadeiro Faria Lima, em São Paulo. Decidiu, fazer um mural em cimento, um tríptico, com vinte metros de comprimento por três de altura, composto por três superfícies retangulares justapostas, dispostas horizontalmente. Para conseguir a sutileza de suas cores, bege e branco, o artista fez extensa pesquisa, testando uma infinidade de substâncias, como cal, mármore em pó branco, mármore travertino moído e vários tipos de aglutinantes. O edifício foi inaugurado com uma exposição desse processo, e a mostra recebeu da ABCA (Associação Brasileira dos Críticos de Arte), o prêmio Pesquisa daquele ano. Posteriormente, as maquetes integraram a já referida retrospectiva realizada no Museu de Arte Moderna de São Paulo, em 1978. Datam daquele ano as primeiras esculturas em madeira, que seriam desenvolvidas em mármore, com especial empenho, na década de 1990.

Balé das formas,1973.
© Arcangelo Ianelli.
Foto: Sergio Guerini

ANOS 1980

Para obter a textura aveludada da série Vibrações, Ianelli deixava as tintas descansando sobre um material absorvente, para que o óleo fosse parcialmente eliminado, e também preparava as telas com o objetivo de excluir o brilho. Antes de iniciar o trabalho, elaborava uma série de estudos em pastel sobre papel, pois, embora o resultado das grandes superfícies seja fluido e diáfano, as obras têm uma estrutura precisa, uma base cuidadosamente estudada para o desenvolvimento dos encadeamentos de cor e luz. Os trabalhos alternam faixas de cor, de larguras variadas, com a eventual inclusão de finas estrias entre elas.  As cores se complementam e se fundem, em um lento dégradé, jogando com o foco do olhar do espectador, criando, assim, uma sensação de movimento e vibração.  As grandes telas não parecem superfícies pintadas, mas emissões de luz, criando uma imersão cromática intensamente suave, que oferece a quem as observa uma densa experiência sensorial.

ANOS 1990 E 2000

Os Amantes, 2000. © Arcangelo Ianell

Na década de 1990, Ianelli desenvolveu paralelamente, e com o mesmo vigor, as Vibrações, que adquiriram dimensões extraordinárias, e a pesquisa tridimensional, que vai dos relevos brancos de parede aos totens, e deles às esculturas, em madeira, mármore e granito, também cada vez maiores. Em 1991, homenageado com uma Sala Especial, na III Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Equador, o artista fez, antes da viagem, uma exposição no Rio de Janeiro, incluindo alguns dos trabalhos destinados à bienal.

No início dos anos 2000, Ianelli estava empenhado em reunir novamente a Forma e a Cor. A série dos Relevos pintados, que remete ao mural realizado para o prédio da Faria Lima, constitui uma nova vertente de seu trabalho, muito pouco apresentada ao público, até hoje. Apesar de ter sofrido algumas sequelas decorrentes de um AVC, Arcangelo Ianelli continuou trabalhando incansavelmente até seu falecimento, em 2009. Sua longa e produtiva carreira deixou uma marca de constância e excelência raramente alcançada na arte brasileira.

Denise Mattar é curadora
de Arte Moderna e Arte
Contemporânea.

IANELLI 100 ANOS
• MUSEU DE ARTE MODERNA DE
SÃO PAULO • 14/2 A 14/3/2023