Sea of Buddha 049 (Triptych), 1995. Foto: Courtesy of the Artist.© Hiroshi Sugimoto.

DASARTES 137 /

HIROSHI SUGIMOTO

DESDE SUAS PRIMEIRAS FOTOGRAFIAS FEITAS EM NOVA YORK NOS ANOS 1970, HIROSHI SUGIMOTO AMPLIOU E REMODELOU NOSSA NOÇÃO DE COMO AS FOTOGRAFIAS REGISTRAM TEMPO, LUZ E ESPAÇO. ENCARANDO A CÂMERA COMO UMA ESPÉCIE DE “MÁQUINA DO TEMPO”, ELE CRIOU IMAGENS QUE EVOCAM PAISAGENS PRIMORDIAIS E O FIM DA CIVILIZAÇÃO, REGISTROS ÚNICOS DA HISTÓRIA E EVOCAÇÕES DA ETERNIDADE

Manatee, 1994. Foto: Courtesy of the Artist.© Hiroshi Sugimoto.

Em sua maioria produzidas com sua antiquada câmera de visão de madeira, as imagens de Hiroshi Sugimoto (Tóquio, 1948) destacam o caráter misterioso de um meio no qual os mortos podem parecer desconcertantemente vivos, enquanto marcos modernistas podem adquirir a forma de antigas relíquias. Inspiradas por experimentos e temas da história inicial da fotografia, algumas de suas fotos abordam preocupações relacionadas à ciência óptica e matemática; outras se baseiam em tradições de pintura e arquitetura. A maioria delas também reflete sobre a natureza escorregadia da própria fotografia.

Contando principalmente com técnicas e tecnologia do século 19 e início do século 20, Sugimoto é um artesão meticuloso. Graças à sua gama tonal matizada, clareza impressionante e composições elegantes, suas fotografias recompensam uma análise minuciosa. Ao desacelerar nosso processo de visualização, elas silenciosamente nos lembram de que olhar para si pode ser um ato criativo de descoberta. Ao mesmo tempo, seu trabalho nos instiga a sondar além da superfície. Para Sugimoto, a fotografia é um meio de levantar questões fundamentais sobre como percebemos o mundo. Suas fotos não documentam simplesmente assuntos específicos, mas parecem impregná-los com significados alternativos. “Normalmente, os fotógrafos capturam algo”, observou Sugimoto. “Eu uso a câmera para projetar minha ideia interna de realidade.”

 

DIORAMAS

Polar Bear, 1976.
Foto: Courtesy of the Artist. © Hiroshi Sugimoto.

Pouco tempo depois de chegar a Nova York, em 1974, enquanto explorava o American Museum of Natural History, Sugimoto descobriu os dioramas da era vitoriana que ilustravam habitats de animais. Foi uma revelação: “Os animais empalhados posicionados diante de cenários pintados pareciam completamente falsos, mas, ao dar uma espiada rápida com um olho fechado, toda a perspectiva desaparecia e, de repente, pareciam muito reais”. Ele começou a fotografar as exibições em suas vitrines, esperando “trazer a natureza morta de volta à vida”.

O primeiro tema de diorama de Sugimoto foi o Urso Polar (1976). Usando uma antiga câmera de grande formato e filme preto e branco, ele configurou seu aparelho como um fotógrafo do século 19, fazendo ajustes cuidadosos de iluminação durante a exposição de 20 minutos para capturar texturas sutis e pequenas diferenças tonais entre o urso branco e o fundo polar. “Minha vida como artista começou no momento em que vi que tinha conseguido trazer o urso de volta à vida na película”, observa ele.

Ao longo das quatro décadas seguintes, Sugimoto fez visitas adicionais ao museu, além de outros museus dos EUA. Em suas primeiras cenas, ele via ecos da vida moderna, como em Hiena-Jacal-Abutre (1976), cuja “festa sombria dos abutres transmite a atmosfera da cena artística de Nova York”. Mais tarde, com imagens como Parentes Humanos Mais Antigos (1994), na qual um casal de hominídeos passeia por uma paisagem desolada, ele queria retratar o mundo antigo como algo tangível e real.

 

TEATROS

UA Playhouse, New York, 1978.
Foto: Courtesy of the Artist.
© Hiroshi Sugimoto.

Em 1976, Sugimoto montou sua câmera nos bastidores de um cinema em Nova York, ajustando o tempo de exposição para coincidir com a duração do filme que estava prestes a começar. A fotografia resultante comprimiu a duração do filme em uma única imagem fixa de uma tela branca brilhante. “Assistir a um filme de duas horas”, comenta o artista, “é simplesmente olhar para 172.800 imagens fotográficas posteriores. Eu queria fotografar um filme, com toda a sua aparência de vida e movimento, para pará-lo novamente.”

As telas brilhantemente brancas no centro dessas fotografias funcionam como sua única fonte de luz, iluminando a imponente arquitetura dos cinemas americanos construídos no início do século 20. Em meio a teatros estranhamente vazios, elas parecem alternadamente constituir um vazio fulgurante ou uma presença luminosamente radiante, como se aludindo a um aspecto espiritual do ritual coletivo de ir ao cinema.

Sugimoto continuou a explorar essa abordagem em uma variedade de ambientes cinematográficos e teatrais: Drive-ins (1993) captura as trilhas de luz de aviões e estrelas atrás de telas ao ar livre durante a longa exposição das fotografias; Opera House (2014) retrata os teatros europeus históricos que inspiraram a decoração grandiosa de suas imitações americanas; mais recentemente, Abandoned Theaters (2015) expõe o destino infeliz e a lenta ruína dos clássicos cinemas americanos.

 

RETRATOS

Salvador Dali, 1999 Foto: Courtesy of the Artist. © Hiroshi Sugimoto.

Muitos fotógrafos capturaram os rostos famosos em seu momento cultural. Mas Sugimoto apresenta realeza, políticos, escritores e artistas ao longo de 500 anos. Para esse empreendimento de viagem no tempo, o artista fotografou modelos de cera do Madame Tussauds em Londres, usando sua câmera para reviver um elenco de personagens famosos.

Os sujeitos dessas fotos não são pessoas, mas figuras de cera – no entanto, como essas imagens revelam, as figuras de Tussauds podem parecer estranhamente realistas quando fotografadas com todos os elementos do retrato convencional. Trabalhando à noite, quando o museu estava fechado, o artista retirava as figuras escolhidas de suas exibições encenadas e as isolava contra um fundo preto. A iluminação de estúdio realça ainda mais sua aparência inquietantemente realista, suavizando a pele brilhante e enfatizando os trajes elaborados.

Diana, Princess of Wales, 1999. Foto: Courtesy of the Artist. © Hiroshi Sugimoto.

Enquanto as figuras de cera de Tussauds são criadas 2% maiores que a vida, permitindo a lenta contração da cera, Sugimoto aumentou o tamanho de seus retratados em cerca de 20%, reforçando a impressão de retrato na grandiosa tradição histórica e criando uma sensação de incerteza sobre a natureza exata de quem – ou o quê – estamos olhando.

 

ARQUITETURA

World Trade Center, 1997.
Foto: Courtesy of the Artist. © Hiroshi Sugimoto.

Desde 1997, Sugimoto fotografou mais de 90 edifícios modernistas ao redor do mundo. Essas estruturas foram projetadas por renomados arquitetos do século 20, como Le Corbusier, Mies van der Rohe e Luis Barragán.

“Eu comecei a traçar o início de nossa era por meio da arquitetura”, explica Sugimoto. “Aumentando o comprimento focal da minha antiga câmera de grande formato para o dobro do infinito – [de modo que] a visão através da lente fosse um borrão total –, descobri que a arquitetura superlativa sobrevive ao ataque da fotografia desfocada. Assim, comecei a testar a resistência da arquitetura à erosão, derretendo completamente muitos dos edifícios no processo.”

“O ponto de partida para um arquiteto”, observa Sugimoto, “é imaginar a forma ideal de um prédio.” Ao obscurecer deliberadamente seus objetos, o artista busca transmitir uma sensação da visão original desses edifícios, como poderiam ter aparecido na mente de seus designers.

Em aparente paradoxo, Sugimoto também sugeriu que essas formas sombrias evocam “arquitetura após o fim do mundo”.

 

FORMAS CONCEITUAIS

Conceptual Forms 0003 Dini’s surface a surface of constant negative curvature
obtained by twisting a pseudosphere, 2004.

Sugimoto afirma que “nunca foi muito bom em matemática”. Ele explica: “Eu entendo com meus olhos e preciso verificar as coisas visualmente. Simplesmente não conseguia ver a beleza em equações”. Mas, em 2002, após ver e manusear os modelos matemáticos de gesso na coleção da Universidade de Tóquio, suas formas surpreendentes despertaram seu interesse pelo pensamento matemático.

Fabricados na Alemanha, no final do século 19, esses objetos curiosos são representações físicas de conceitos matemáticos, construídos como auxílios de ensino e exportados para todo o mundo. Aos olhos de Sugimoto, “a beleza dessas formas matemáticas puras era uma maravilha, ofuscando em muito a escultura abstrata”. Na década de 1930, eles foram celebrados por artistas surrealistas em Paris, incluindo Man Ray, que os fotografou. Mas, enquanto Man Ray enfatizava as qualidades antropomórficas dos objetos, Sugimoto visava “remodelá-los”: “Sinto como se estivesse esculpindo isso a partir de uma forma conceitual… como se estivesse moldando as formas, usando uma câmera em vez de um cinzel”. Fotografados de baixo, a uma distância muito próxima, os pequenos modelos de gesso parecem monumentais, suas bordas levemente lascadas e arranhadas transmitindo uma sensação de pertencimento a “antigas civilizações: grega, romana, asiática oriental, indiana”.

 

PAISAGENS MARINHAS

Bay of Sagami, Atami, 1997. Foto: Courtesy of the Artist. © Hiroshi Sugimoto.

“Alguém hoje pode ver uma cena da mesma forma que o homem primitivo poderia?” Sugimoto remonta sua fascinação pelo mar à infância. “Minha primeira memória pessoal é uma paisagem marinha”, explica. “O mar mudou muito menos do que a terra, então, quando os seres humanos ganharam consciência pela primeira vez, passando de um estado animal para um estado humano, a paisagem marinha pode ter causado uma forte impressão em suas mentes. Posso compartilhar essa visão. Posso comparar minha própria memória com a primeira visão do mundo.”

Iniciadas em 1980, as Paisagens Marinhas de Sugimoto se tornaram um “projeto de vida” – e um dos mais desafiadores tecnicamente. “Cada onda tem que ser nítida e clara.” Para criar suas vistas marítimas atemporais, Sugimoto eleva sua câmera de filme de grande formato em um penhasco ou em uma área elevada de terreno, e arranja seu ponto de vista para que a imagem resultante seja uniformemente dividida entre o mar e o céu. Desprovidas de quaisquer elementos distrativos (como pássaros, barcos ou margens distantes), as composições de Sugimoto se concentram exclusivamente na interação entre água, ar e a luz do Sol ou da Lua.

Com sua composição uniforme, as Paisagens Marinhas podem parecer pinturas abstratas. “Não representando o mundo em fotografias, eu gostaria projetar minhas paisagens marinhas internas na tela do mundo”, reflete o artista.

 

CAMPOS DE RELÂMPAGOS

Lightning Fields 225, 2009. Foto: Courtesy of the Artist.

A inspiração de Sugimoto para os Campos de Relâmpagos veio, inicialmente, de um problema técnico na fotografia. Ao retirar uma folha de filme de seu suporte, ocasionalmente, o atrito produz eletricidade estática, podendo gerar faíscas, danificando o filme e destruindo uma imagem. “Eu sempre odiei isso”, explica Sugimoto, “mas, em certo momento, decidi amar isso… fazer acontecer de propósito. Então, criei um palco para fazer isso acontecer.”

A série resultante lança luz para o trabalho de William Fox Talbot (1800-1877), um dos inventores da fotografia, e sua pesquisa sobre eletricidade estática. Sugimoto comprou um gerador Van de Graaff de 400 mil volts, que ele usou para enviar uma rajada de correntes elétricas por uma grande folha de filme não exposto apoiada sobre uma placa de metal aterrada.

Os resultados são fotografias dramáticas tiradas sem câmera. Algumas obras parecem retratar um raio atingindo o solo. Outras imagens se assemelham mais a formas orgânicas vistas sob um microscópio.

Em contraste com suas outras séries que envolvem exposições longas e a desaceleração do tempo, aqui Sugimoto captura a liberação instantânea de energia – o Big Bang recriado em seu estúdio ou, como ele descreve, “a câmara escura da minha própria mente”.

 

HIROSHI SUGIMOTO: TIME MACHINE•
SOUTHBANK CENTRE•REINO UNIDO
• 11/10/2023 A 7/1/2024

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