Life, 1984. Courtesy of Gilbert & George.

“Quando um ser humano se levanta de manhã e decide o que fazer e para onde ir, está encontrando seu motivo ou desculpa para continuar vivendo. Nós, como artistas, temos apenas isso a fazer. Queremos aprender a respeitar e honrar ‘o todo’. O conteúdo da humanidade é nosso assunto e nossa inspiração. Defendemos a cada dia boas tradições e mudanças necessárias. Queremos encontrar e aceitar tudo o que há de bom e de ruim em nós mesmos. A civilização sempre dependeu, para seu avanço, da ‘pessoa doadora’. Queremos derramar nosso sangue, cérebro e sementes em nossa busca de vida por novos significados e propósito para dar à vida.”

Gilbert & George 1986

“Por mais de meio século, eles estiveram entre os artistas mais visíveis do planeta. Isso não é surpreendente, já que os temas recorrentes em sua arte não poderiam ser mais fundamentais para nós, humanos: política, religião, sexualidade e beleza. Em última análise, a arte deles trata a própria vida humana”.

Daniel Birnbaum e Hans Ulrich Obrist.

Por mais de 50 anos, Gilbert & George criaram arte se colocando como sujeito e objeto. Na mostra A grande exposição, os artistas selecionaram quadros que refletem sua arte, tão cativante quanto prolífica.

Desde que se conheceram na Escola de Arte de Saint Martin, Gilbert & George são inseparáveis, tanto profissionalmente quanto privadamente. Isso foi em 1967 e, enquanto Londres se agitava, Gilbert & George não se moviam pelas tendências atuais. Em vez disso, vestiram trajes imaculados – seus “ternos de responsabilidade” – e embarcaram em uma viagem para desafiar as convenções da arte e da sociedade com um desprezo flagrante por quaisquer noções de “bom gosto”. Sem medo e direto ao ponto, sua arte tem o poder de perturbar o espectador. A grande exposição reúne quadros do período de 1971 a 2019. A mostra está repleta do chão ao teto com quadros grotescos e concisos, surrealistas e simbólicos, mas de forma consistente dentro da grade rígida, que é emblemática de sua arte. Sexo, dinheiro, raça e religião estão entre seus temas, que conseguem combinar felicidade e tristeza, beleza e significado.

Sperm Eaters, 1982.

Gilbert, nascido em 1943 nas Dolomitas italianas, e George, nascido em 1942, em Plymouth, Reino Unido, têm um propósito expresso com sua arte provocativa: “revelar o preconceito interno no libertário e, inversamente, revelar o libertarismo interno no fanático”.

Gilbert & George viveram e trabalharam no mesmo bairro de Spitalfields, em Londres, por mais de cinco décadas, observando como tudo mudou com o tempo. Vestidos em ternos impecáveis quase iguais, os dois são em partes iguais sujeito e objeto – uma unidade indivisível, que dedica sua vida exclusivamente à arte. A vida cotidiana de Gilbert & George é tão criativa quanto rigorosamente organizada. Ao se comprometerem com este tipo de disciplina, mantendo a vida em casa e no estúdio com rotinas simples, sem aulas, eles abriram espaço para a loucura criativa total. Punk rockers e nacionalistas, danças folclóricas e bombas, folhas de outono e anúncios pessoais – com o olhar comum destemido e singular, a dupla mais icônica do mundo da arte investiga o mundo que nos cerca.

PRIMEIROS TRABALHOS

The Singing Sculptures, 1969-1991. Courtesy of Gilbert & George.

Desde o final dos anos 1960, Gilbert & George têm se visto como uma parte inseparável de sua arte. Como jovens escultores sem estúdio, dinheiro ou apoio do establishment, perceberam que eles próprios eram seu melhor meio e podiam comunicar sua visão artística como esculturas vivas.

Ficaram conhecidos por suas Esculturas Singing: impecavelmente vestidos em ternos, com rostos multicoloridos, cantando Underneath the arks, uma canção de 1932 sobre os sem-teto durante a Depressão. Beber e ficar embriagado foi um tema central na arte inicial deles. Com música vaudeville, visões pastorais e imagens borradas de bebida, Gilbert & George estavam no caminho da “arte para todos”, como é o lema deles. Por volta de 1974, Gilbert & George começaram a organizar suas fotos na grade que se tornou a assinatura deles e continuam usando até hoje. Desde então, quase toda a arte é serial, e eles aparecem pessoalmente em praticamente todas as suas imagens. As fotos do final dos anos 1970 retratam uma Londres arruinada em convulsão social. Gilbert & George encontraram no grafitti um imediatismo que faltava na arte contemporânea.

DÉCADA DE 1980

Leaface, 1988. Cortesia Gilbert & George.

A casa e o estúdio na Fournier Street sempre estiveram no centro da arte de Gilbert & George desde que se mudaram para lá, em 1968. Eles originalmente alugaram o andar térreo, mas passaram a comprar o edifício inteiro em meados da década de 1970. Foi na Fournier Street que Gilbert & George desenvolveram uma técnica única que lhes permitiu fazer imagens grandes e complexas. Com base em esboços detalhados, os negativos foram organizados e expostos em todos os papéis fotográficos montados juntos. Estes, por sua vez, foram desenvolvidos e coloridos à mão um por um. Somente quando todos os papéis foram concluídos, emoldurados e remontados, a imagem resultante pôde ser vista. Esse sistema de painéis também tornou suas obras monumentais fáceis de transportar e expor, podendo atingir públicos maiores. Em 1990, por exemplo, eles levaram sua arte para a União Soviética, e para a China em 1993. Seus quadros ficaram ainda maiores e mais ousados. Motivos carregados de símbolos em cores fortes desafiavam as normas sobre sexo, religião e relacionamentos.

Naked Flats, 194. Fotos: Cortesy Gilbert & George.

Blood City, 1998.

A cor se tornou uma parte essencial da arte de Gilbert & George, usada tanto expressivamente, para definir o clima, quanto simbolicamente. Por mais bonitas que sejam suas fotos, elas não pretendiam ser estéticas, formalistas ou conceituais – o que importa é o conteúdo.

VIDA E MORTE

Christs, 1992. Foto: Cortesy Gilbert & George.

Os temas centrais de suas fotos capturam uma ampla experiência humana, abrangendo uma gama de emoções e temas, de panoramas coloridos a exames brutos da humanidade; de propagandas de sexo ao fundamentalismo religioso.

Gilbert & George frequentemente lidam com as grandes questões existenciais em sua arte, mas deixam para os espectadores buscar e desafiar suas próprias verdades e encontrar suas próprias respostas. Com o observador, eles exploram e testam seus sentimentos em sua arte. Eles usam suas cabeças, almas e sexo para fazer uma imagem, e cada espectador tem que usar sua cabeça, alma e sexo para visualizá-la. A obra de arte só é concluída quando há um observador na frente dela. Desde o início, Gilbert & George operaram para além das estruturas dadas da cena artística, por necessidade e preferência. Escolhiam fazer suas próprias regras em vez de seguir as dos outros. Sempre questionaram autoridades que afirmam ter a solução para as principais questões da vida. Rejeitam todas as religiões, mas estão interessados ​​em como tais sistemas de crenças influenciam nossas vidas. Suas imagens intrusivas e monumentais oferecem uma alternativa contemporânea às imagens religiosas, como vitrais nas janelas das igrejas.

O CORPO

Eight Shits, 1994 (Série The Naked Shit Pictures) Foto: Cortesy Gilbert & George.

Em meados da década de 1990, o corpo nu e suas excreções se tornaram o foco de Gilbert & George. Em The Naked Shit Pictures, seus corpos nus são exibidos de todos os ângulos junto com excrementos. Eles compraram um microscópio e descobriram novas formas nos fluidos corporais, como urina, suor e esperma. Descobriram que o excremento expressa nossa mortalidade em sua forma mais direta. É a matéria morta que deixamos para trás. A epidemia de AIDS transformou o corpo em um campo de batalha ideológico e uma onda de novo moralismo varreu o mundo ocidental. Gilbert & George descaradamente expõem seus corpos nus e olham para nós a partir das fotos. A nudez contrasta fortemente com os ternos que os artistas costumam usar. O comportamento formal deles confere às fotos nuas seu poder expressivo.

Bum Holes, 1994. Foto: Cortesy Gilbert & George.

Gustave Flaubert certa vez descreveu essa posição quando escreveu: “Você deve ser regular e natural em seus hábitos como um burguês, para que possa ser violento e original em seu trabalho”.

50 ANOS DE CONSTANTE MUDANÇA

Beardary, 2016. Courtesy of Gilbert & George.

Por mais de 50 anos, Gilbert & George testemunharam a vida em Londres e a retrataram em todas as suas formas, desde o trágico e desesperado ao cômico ou eufórico. Coletaram pôsteres e classificados, cartões de visita e folhas de outono: coisas que foram conectadas ou deixadas para trás pelas pessoas na cidade.

Milhares de manchetes de jornais e contas reunidas expressam as condições de vida. A dupla desafia tabus sociais e moralismo. Destacam os pontos cegos da sociedade e retratam o que preferimos ignorar. Tudo vem à tona na série Scapegoating Pictures, retratando vasilhas de óxido nitroso descartadas, bombardeios e discurso de ódio. Em The Beard Pictures, eles adornam barbas de todos os formatos e tamanhos. A barba passou a ser um símbolo tanto para os descolados quanto para os muçulmanos radicalizados.

Gilbert & George sempre atualizaram seus métodos criativos com a mais recente tecnologia. No início dos anos 2000, eles começaram a criar suas imagens digitalmente, dando-lhes um novo potencial.

Scapegoating Pictures, 2013-2014. Courtesy Gilbert & George.

“Somos apenas escultores humanos. Somos apenas escultores humanos no sentido de que nos levantamos todos os dias, andando às vezes, lendo raramente, comendo frequentemente, pensando sempre, fumando moderadamente, desfrutando, olhando, relaxando para ver, amando todas as noites, encontrando diversão, encorajando vida, lutando contra o tédio, sendo natural, sonhando acordado, viajando, desenhando ocasionalmente, falando levemente, bebendo chá, sentindo-se cansados, dançando às vezes, filosofando muito, criticando nunca, assobiando afinado, morrendo muito devagar, rindo nervosamente, cumprimentando educadamente e esperando até o amanhecer.”

Gilbert & George, 1970

GILBERT & GEORGE •
THE GREAT EXHIBITION •
SCHIRN • FRANKFURT • 12/2 A 5/9/2021