Frank Bowling nasceu em 1934, na Guiana (então Guiana Britânica), América do Sul. Em 1953, deixou sua cidade natal, New Amsterdam, e viajou para Londres. Chegou durante a celebração da coroação da rainha Elizabeth II. Após algumas tentativas iniciais de poesia e dois anos de serviço na Royal Air Force, Bowling se matriculou no Royal College of Art, em Londres. De 1959 a 1962, estudou pintura ao lado de um talentoso e ambicioso grupo de estudantes, dentre eles, os artistas Derek Boshier, David Hockney e R. B. Kitaj.
O trabalho inicial de Bowling demonstra seu interesse em questões sociais e políticas, bem como narrativas pessoais. Muitas vezes, descreve memórias dolorosas e indivíduos desprivilegiados. Durante esse tempo, Bowling começou a usar tanto a figuração quanto a abstração em seu trabalho. Adotando como tema um cisne branco agonizando, começou a explorar preocupações formais. Ele usou os princípios da geometria para moldar a tela e estruturar a composição. Também começou a estudar teoria das cores e justapor planos de cores fortes.
Mirror, 1966. © Frank Bowling. All Rights Reserved, DACS 2019.
Entre 1964 e 1967, Bowling reuniu muitas diferentes abordagens pictóricas, fontes e técnicas. Esse foi um período de grande mudança em sua vida e carreira. Em 1966, mudou-se de Londres para Nova York e foi premiado com uma bolsa Guggenheim no ano seguinte, permitindo que ele se estabelecesse nos EUA, onde passou a maior parte da década seguinte.
Bowling continuou a usar elementos figurativos em seu trabalho. Alguns são expressionistas, pintados de maneira gestual. Outros são mais gráficos, renderizados por meio de técnicas de impressão.
Cover Girl, 1966.
Bowling adotou diferentes imagens como fontes para suas figuras. Elas incluem fotografias de cenas que ele encenou, fotos de família e imagens de revistas. Uma imagem serigrafada da casa de sua família em New Amsterdam se tornou um elemento central em suas pinturas. Sua mãe construiu a casa para sua família, que ocupava os andares superiores, e seu negócio, o Bowling’s Variety Store, localizado no térreo. De 1966 a 1967, Bowling também começou a usar estêncis em seu trabalho, e os primeiros contornos de formas semelhantes a continentes aparecem. Essas obras sinalizam seu interesse contínuo em geometria, uso intuitivo de planos de cores ousadas e exploração da natureza imprevisível da pintura.
Logo depois de se mudar para Nova York em 1966, Bowling parou de pintar a figura humana. Começou a trabalhar em um grupo de pinturas caracterizadas por sua escala, aplicação fluida de tinta acrílica e luminosidade. Além disso, através de seus artigos na Arts Magazine (1969-1972), Bowling desempenhou um papel fundamental nos debates em torno de “Black Art”. Defendeu os direitos dos artistas de se envolver em qualquer forma de expressão artística, independentemente da sua identidade ou origem. As obras dessa série, referidas como “pinturas de mapas”, datam de 1967-71. Os campos coloridos são sobrepostos por mapas do mundo estampados e imagens em serigrafia.
South America Squared 1967.
Bowling trabalhava em telas não esticadas, colocando-as no chão e na parede. Aplicava tinta derramando, manchando e pulverizando. O Hemisfério Sul geralmente domina essas telas. Esse foco marca a rejeição de Bowling sobre a cartografia ocidental de muitos mapas do mundo. Imagens da mãe e dos filhos do artista estão entre as serigrafadas em algumas das telas. Os resultados são obras de arte complexas e em camadas. Essas “pinturas de mapa” revelam o interesse de Bowling pela forma como as identidades são moldadas pela geopolítica e pelo deslocamento.
Por volta de 1973, Bowling começou a despejar tinta nas telas para produzir efeitos em camadas de cores contrastantes. As pinturas resultantes revelam os processos de sua fabricação. Eles foram a resposta pessoal de Bowling aos desafios do formalismo na pintura modernista, uma postura crítica promovida pelo crítico de arte americano Clement Greenberg, sugerindo que os aspectos visuais de uma obra de arte são mais importantes do que o conteúdo narrativo. Greenberg apoiou o trabalho de Bowling e os dois se tornaram amigos.
Polish Rebecca, 1967. © Frank Bowling. All Rights Reserved, DACS 2019.
Em seus estúdios de Nova York e Londres, Bowling construiu uma plataforma inclinada que permitiu que ele despejasse tinta de alturas de até dois metros. A tinta, sendo derramada, criou um estilo de pintura enérgico e inovador. Essas “pinturas derramadas” foram o resultado do acaso controlado. Elas revelam o interesse de Bowling na tensão entre uma abordagem estruturada à pintura e desenvolvimentos acidentais.
Durante esse tempo, os títulos das obras de Bowling se tornaram cada vez mais enigmáticos. Bowling nomeia uma pintura, uma vez terminada, tentando se reconectar com o que aconteceu durante a criação dela.
Os títulos frequentemente aludem a aspectos da vida cotidiana do artista, referenciando pessoas e associações pessoais. No entanto, eles permanecem ambíguos, impedindo uma leitura prescritiva de seu trabalho.
Ah Susan Whoosh 1981. © Frank Bowling. All Rights Reserved, DACS 2019.
No final da década de 1970, Bowling estava totalmente no controle das técnicas de pintura que ele havia aperfeiçoando nos últimos dez anos. Tinha uma profunda compreensão da dinâmica do fluxo de tinta e do drama da combinação de cores. Na necessidade de novos desafios, ele adotou uma variedade de intervenções. Bowling começou a usar amônia e perolização, e aplicou manchas de tinta à mão, produzindo efeitos de marmoreio. Ele abraçou o acaso, permitindo-lhe alcançar resultados inesperados. Por exemplo, a impressão redonda de um balde, deixada para descansar enquanto secava uma tela, contribuiu para a composição de Vitacress (1981) e se tornou um artifício recorrente.
Essas pinturas podem nos fazer pensar em impressões atmosféricas de céus, visões do mundo e do cosmos, ou transformações alquímicas. Bowling não cria trabalhos com essas referências em mente. No entanto, ele recebe respostas e interpretações diferentes dos espectadores.
Na década de 1980, Bowling continuou a explorar a cor e a estrutura de suas composições, mas agora as acrescentou em seus últimos experimentos, construindo texturas na superfície.
Sacha Jason Guyana Dreams, 1989
Ele começou a misturar tinta acrílica com gel acrílico. Esse material é semelhante à tinta acrílica, mas sem o pigmento da cor. Começou também a usar gel acrílico para estender o volume de tinta, criar maior textura e adicionar transparência. Além disso, usou espuma acrílica: cortou o material em tiras finas para criar acentos lineares e sugerir formas geométricas livres. Também começou a usar uma variedade de outros materiais e objetos em seu trabalho. Aplicou pigmentos metálicos, giz fluorescente, cera de abelha e glitter em suas superfícies densamente texturizadas. Em vários trabalhos, encontram-se objetos como brinquedos de plástico, material de embalagem, como tampas de caixinha de filme, e conchas de ostras dentro da tinta. Esses itens raramente são totalmente visíveis, mas aumentam a complexidade e a qualidade misteriosa de seus trabalhos.
Os diversos materiais e objetos dessas pinturas nos convidam a prestar atenção à sua materialidade. Os trabalhos se estendem em direção ao espectador, provocando um engajamento mais físico.
Algumas pinturas, concluídas em 1989, demonstram o envolvimento de Bowling com o manejo gestual e as extensões de cor do expressionismo abstrato e com seu interesse pela pintura de paisagem inglesa.
Iona Miriam’s Christmas Visit To & From Brighton 2017.
© Frank Bowling. All Rights Reserved, DACS 2019.
Duas das pinturas pertencem à série Great Thames, feita no estúdio de Bowling, no leste de Londres, perto do rio Tâmisa. Essas pinturas capturam o jogo de luz na água, mudando com a hora do dia e as estações do ano. Elas são algumas das pinturas mais poéticas de Bowling e sugerem o trabalho dos paisagistas ingleses que ele admira profundamente, particularmente Thomas Gainsborough (1727-1788), J. M. W. Turner (1775-1851) e John Constable (1776-1837).
Quando Bowling viajou de volta a New Amsterdam, em 1989, ele reconheceu que a luz particular da Guiana também tinha sido a chave para sua pintura. “Quando olhei para a paisagem na Guiana, eu entendi que a luz nas minhas fotos é uma luz muito diferente. Eu vi uma névoa cristalina, talvez um vento e água do leste subindo para o céu. Pela primeira vez, ocorreu-me, nos meus cinquenta anos, que a luz é sobre a Guiana. É uma constante nos meus esforços”.
Remember thine eyes, 2014. © Frank Bowling. All Rights Reserved, DACS 2019.
Na década de 1990, Bowling continuou a trabalhar com tinta acrílica e gel e incorporando diferentes materiais e objetos em suas pinturas. Seu interesse pela pintura como objeto o levou a costurar telas juntas. Ele começou a prender sua tela principal a faixas coloridas de telas secundárias, que criavam uma borda. Bowling também começou a se concentrar em pinturas menores. Durante décadas, dedicou-se principalmente a trabalhos em grande escala. Feitos então em formato menor, ofereciam um novo desafio. Ele poderia experimentar o tratamento do suporte e usar seções da mesma tela em diferentes trabalhos.
Bowling começou a se dedicar a mais de uma pintura simultaneamente. Seções de telas recortadas anteriormente, com diferentes aplicações de pintura e cores, seriam grampeadas e coladas juntas. Os grampos, que fixam as diferentes seções do tecido juntos antes que a cola os ligue, são registros do processo do artista. Essa técnica aumenta a materialidade das obras, ao mesmo tempo que transmite uma sensação de efemeridade.
Atualmente, aos 85 anos, Bowling ainda atua em seu estúdio todos os dias. Apesar de trabalhar quase exclusivamente em posição sentada, a necessidade persistente de Bowling de reinventar a pintura permanece. Ele continua a experimentar técnicas adotadas ao longo de muitas décadas, combinando-as em um número infinito de variações. Podemos ver lavagens de tinta fina, tinta derramada, tinta manchada, aplicações estampadas, uso de géis de acrílico, inserção de objetos encontrados e costura de diferentes seções da tela. Bowling também se mantém explorando as duas ideias conflitantes de geometria e fluidez que o ocuparam ao longo de sua carreira. Suas composições são baseadas em estruturas abrangentes e arranjos geométricos livres. Ao mesmo tempo, a tinta é misturada a uma ampla gama de materiais e objetos, permitindo que ela flua e se espalhe pela tela.
O domínio técnico de Bowling, adquirido por meio de décadas de experimentação, dá lugar a uma notável confiança para improvisar. Ele continua a estabelecer e a quebrar sistematicamente um conjunto de regras auto-impostas em constante mudança.
Zif, 1974. © Frank Bowling. All Rights Reserved, DACS 2019.
Frank Bowling • Tate Britain • London • 31/5 a 28/8/2019
