Veja lista das exposições de arte mais importantes da década de 2010

Fotografia de Laura Aguilar

As exposições vão e vêm, mas sua ressonância permanece. A lista abaixo pesquisa mostras essenciais da década passada que tiveram um impacto duradouro. Elas mudaram a forma como a história da arte é concebida e mostraram o que pode acontecer quando diversas vozes recebem novo destaque e profunda consideração.

Veja abaixo o top 10 selecionado pela ArtNews.

 

10. “Art After Stonewall, 1969-1989”

Locais: Grey Art Gallery e Leslie-Lohman Museum of Art, Nova York (2019); Museu de Arte Patricia & Phillip Frost, Miami, Flórida (2019-20); Museu de Arte de Columbus, Ohio (2020)

Para marcar o 50º aniversário da Revolta de Stonewall, que é frequentemente considerada o evento incitante do movimento de libertação gay, esta exposição apresentou uma abrangente pesquisa histórica da arte queer feita nos primeiros 20 anos após o fato. A mostra – com curadoria de Jonathan Weinberg, Tyler Cann e Drew Sawyer para o Columbus Museum of Art, mas mostrada pela primeira vez em Nova York – é incisiva e informativa, e destaca como o impacto de Stonewall foi sentido por artistas queer e pessoas diretamente identificadas como bem. Os trabalhos variaram de emocionantes a divertidos (a reconstituição dos Cockettes do casamento da primeira filha Tricia Nixon) a comovente ( Sem título [Um dia esse garoto…] de David Wojnarowicz) para empurrar limites (“Constructs”, de Lyle Ashton Harris), e desafiar meios (esculturas macias pintadas de Harmony Hammond, que se encostam a uma parede).

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Vista da instalação de “Outliers and American Vanguard Art”, 2018, na Galeria Nacional de Arte, Washington, DCCORTESIA GALERIA NACIONAL DE ARTE

9. “Outliers e arte de vanguarda americana”

Locais: Galeria Nacional de Arte, Washington, DC (2018); Museu de Arte de alta, Atlanta (2018); Museu de Arte do Condado de Los Angeles (2018–1919)

A curadora Lynne Cooke passou cinco anos pesquisando esse espetáculo inovador, um grande evento no impulso maior desta década para desfazer e repensar o rótulo condescendente e inadequado de “arte de fora”. Em vez disso, Cooke optou pelo termo “outlier“, em referência a quantos dos 80 artistas da mostra foram excluídos da história da arte porque não cumprem certas convenções da época. A ousada apresentação de Cooke situou artistas como Martín Ramírez, Bill Traylor e Sister Gertrude Morgan ao lado de figuras conhecidas como Cindy Sherman e Kara Walker, desestabilizando noções tradicionais sobre o que significa ser um artista profissional no processo.

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Vista da instalação de “Sakahàn: Arte Indígena Internacional”, 2013, na Galeria Nacional do Canadá, Ottawa.CORTESIA GALERIA NACIONAL DO CANADÁ

8. “Sakahàn: Arte Indígena Internacional”

Local: Galeria Nacional do Canadá, Ottawa (2013)

Historicamente, muitos líderes de instituições brancas tradicionais têm imaginado os povos indígenas como desaparecidos e congelados no tempo. Esse programa inverteu essa lógica e focou nas práticas dos artistas indígenas contemporâneos, ao mesmo tempo em que fornecia uma visão abrangente do que constitui indigeneidade. O título da exposição significa “acender uma fogueira” no idioma do povo Algonquin, cujas terras tradicionais incluem partes de Quebec e Ontário, no Canadá. (Quando a exposição foi aberta, o então diretor do museu reconheceu no programa, as curadoras Greg A. Hill, Christine Lalonde e Candice Hopkins que reuniram o trabalho de cerca de 80 artistas de 16 países ao redor do mundo, incluindo Japão, Índia e Finlândia como bem como Canadá, Austrália, EUA e México. Entre os artistas incluídos estavam Brian Jungen, Maria Thereza Alves, Rebecca Belmore, Annie Pootoogook e Teresa Margolles.

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Vista da instalação de “Subversion Sedutor: Mulheres Pop Artists, 1958–1968”, 2010, na Galeria Rosenwald-Wolf na Universidade das Artes, Filadélfia.CORTESIA DA GALERIA ROSENWALD-WOLF DA UNIVERSIDADE DAS ARTES

7. “Subversão Sedutora: Artistas Pop Mulheres, 1958–1968”

Locais: Galeria Rosenwald-Wolf na Universidade das Artes, Filadélfia (2010); Museu do Brooklyn, Nova York (2010–11)

A arte pop há muito tempo é representada como um movimento masculino (em grande parte graças ao trabalho de críticos e historiadores masculinos). Essa mostra deturpou essa noção, concentrando-se nas mulheres que também foram pioneiras no estilo. A exposição incluiu uma série de obras, incluindo Rosalyn Drexler, Marisol e Marjorie Strider, e seu espírito revisionista foi retomado vários anos depois pela pesquisa itinerante “International Pop”, que ofereceu evidências intransponíveis (em paradas no Walker Art Center, o Museu de Arte de Dallas e o Museu de Arte de Filadélfia) que o movimento não estava apenas centrado em Nova York. Ambas as mostras ofereceram exemplos de como os historiadores da arte poderiam alterar drasticamente as percepções de movimentos conhecidos apresentando apresentações mais diversas.

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Visualização de instalação de “Trigger: Gênero como ferramenta e arma”, 2017-18, no New Museum, Nova York.CORTESIA NEW MUSEUM

6. “Gatilho: o gênero como ferramenta e arma”

Local de encontro: New Museum, Nova York (2017)

Na exposição nesta década exemplificou melhor como as maneiras que falamos sobre gênero e sexualidade estão constantemente em fluxo. Com curadoria de Johanna Burton, com Sara O’Keeffe e Natalie Bell, “Trigger: Gênero como uma ferramenta e uma arma” analisou diferentes maneiras pelas quais os artistas adotaram o gênero em seu trabalho, sondando-o como uma construção binária que geralmente é opressiva e depois procurando espaços que existem fora de seus limites. A chave do programa foi a ênfase na interseccionalidade e como as questões de gênero devem ser encaradas de uma perspectiva mais ampla que leva em conta raça, classe, sexualidade e habilidade. A exposição foi complexa e confusa – com trabalhos de artistas como Nayland Blake, Mickalene Thomas, Paul Mpagi Sepuya, Sable Elyse Smith, Chris E. Vargas, Candice Lin.

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Visualização de instalação de “Alma de uma nação: arte na era do poder negro”, 2019, no Broad, Los Angeles.EUGENE GARCIA / EPA-EFE / SHUTTERSTOCK

5. “Alma de uma nação: arte na era do poder negro”

Locais: Tate Modern, Londres (2017); Museu de Arte Americana Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas (2018); Museu do Brooklyn, Nova York (2018-19); o Broad, Los Angeles (2019); de Young Museum, São Francisco (2019-20)

“Soul of a Nation” abriu os olhos de muitos no mundo da arte de como o movimento Black Power das décadas de 1960 e 70 mudou efetivamente a arte como a conhecemos hoje. Com curadoria na Tate de Zoé Whitley e Mark Godfrey, o programa confirmou as carreiras de muitos, ajudando efetivamente o lançamento de figuras como Frank Bowling e Barkley L. Hendricks a um amplo sucesso no mercado. “Soul of a Nation” também ofereceu aos seus espectadores uma lição valiosa sobre como as inovações artísticas podem ser sintetizadas com a política do dia para alcançar novos estilos.

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Vista da instalação de “Posing Modernity: The Black Model from Manet and Matisse to Today”, 2018-19, na Wallach Art Gallery, Nova York.CORTESIA DA GALERIA DE ARTE WALLACH

4. “Posicionando a modernidade: a modelo negra de Manet e Matisse até hoje” / “Modelos negros: de Géricault a Matisse”

Locais: Wallach Art Gallery, Nova York (2018-19) / Musée d’Orsay, Paris (2019)

O estudo da Olympia de Édouard Manet (1863) focou-se há muito tempo no assunto branco – uma cortesã nua e supina – em seu centro. Mas essa mostra inovadora destacou a empregada negra de fundo: Laure, que posou como modelo para Manet e outros pintores franceses da época. Denise Murrell baseou o programa em sua dissertação, que viajou para Paris de forma expandida, abrindo novas áreas de estudo histórico-artístico. Após a exposição, Murrell foi contratada como curadora associada do Metropolitan Museum of Art.

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Vista da instalação de “Histórias Afro-Atlanticas”, 2018, no Museu de Arte de São Paulo.CORTESIA MASP

3. Histórias Afro-Atlânticas

Local: Museu de Arte de São Paulo e Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2018)

Quando o curador Adriano Pedrosa chegou ao MASP como diretor artístico em 2014, ele transformou uma instituição sonolenta no que hoje é “o museu mais progressista e dinâmico do mundo”, como recentemente declarou à ARTnews a historiadora de arte Julia Bryan-Wilson. Entre suas principais mudanças, estava trazendo sua série de exposições colaborativas “Histórias” para o MASP, como uma maneira de olhar para várias histórias de arte, muitas das quais foram excluídas de um cânone convencional que historicamente privilegiou os homens cisgêneros heterossexuais brancos. A mais importante dessas exposições – e a maior, com cerca de 400 obras em vários locais – foram as “Histórias Afro-Atlânticas”, que analisaram o Comércio Transatlântico de Escravos, com o Brasil no centro, como forma de envolver o trabalho de artistas da região. Em um país onde mais da metade da população se identifica como negra ou parda, chegou o momento em que muitos visitantes se viram representados com precisão em um espaço de museu pela primeira vez.

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Vista da instalação de “Pós-Guerra: Arte Entre o Pacífico e o Atlântico, 1945–1965,” 2016–17, em Haus der Kunst, Munique.CORTESIA HAUS DER KUNST

2. “Pós-guerra: arte entre o Pacífico e o Atlântico, 1945–1965”

Local: Haus der Kunst, Munique (2016–17)

Enquanto os curadores, historiadores e críticos pensam em maneiras de redefinir o cânone, “Pós-Guerra” é um exemplo e um apelo ao aumento da mente aberta histórica da arte. Pode ter sido apenas um dos curadores finais Okwui Enwezor. Existem muitas maneiras pioneiras de trazer o globalismo para os museus ocidentais, mas o “pós-guerra” transformou completamente a maneira como a história da arte na era do pós-guerra foi contada. O programa revirou a noção eurocêntrica de que a arte do pós-guerra era uma série de movimentos cronológicos – que o Expressionismo Abstrato foi sucedido por Pop, depois Minimalismo, depois Conceitualismo e assim por diante – e levou artistas conhecidos a conversarem com figuras pouco estudadas do Oriente. Leste, América Latina e Ásia. Hervé Télémaque, o magistrado pintor nascido no Haiti, figurava na mesma galeria que Andy Warhol e Robert Rauschenberg; Saloua Raouda Choucair, o falecido pintor e escultor libanês, apareceu no mesmo contexto de Robert Morris e Hélio Oiticica. A dramática fragmentação da história da arte na exposição já foi impactante,

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Visualização da instalação do “Axis Mundo: Queer Networks no Chicano LA”, 2017, no MOCA Pacific Design Center, Los Angeles.ZAK KELLEY

1. Hora Padrão do Pacífico

Locais: Vários, Los Angeles (2011, 2017)

Por causa de suas ambições exageradas, o Horário Padrão do Pacífico- uma iniciativa abrangente focada em destacar a arte do sul da Califórnia – poderia ter sido um dos maiores fracassos do mundo da arte. Em vez disso, ele já alterou a história da arte muitas vezes. A iniciativa financiada pela Fundação Getty começou como um projeto de arquivo e logo se transformou em um projeto de pesquisa multimilionário de anos que visa advogar por trabalhos historicamente pouco reconhecidos. As duas primeiras edições – sobre arte de 1945 a 1980 em 2011 e arte latino-americana e latino-americana em 2017 – trouxeram à tona artistas há muito esquecidos e as histórias que eles têm para contar. A primeira edição contou com exposições como “Now Dig This! Art and Black Los Angeles 1960–1980”, ” Fazendo isso em público: feminismo e arte no prédio da mulher ”,“Asco: Elite of the Obscure, A Retrospective, 1971–1987” e “Under the Big Black Sun: 1974-1981 da artista falecida Laura Aguilar. Entre todas, novas linhas para pensar a arte sob diferentes perspectivas foram traçadas de maneiras que continuam persistindo.

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