Robert Irwin, influente escultor de Luz e Espaço, morre aos 95 anos

Luto no mundo da arte. Robert Irwin, um influente escultor de Luz e Espaço cujas instalações reorientaram a forma como os espectadores percebem um espaço, às vezes transformando as instituições que os mantêm no processo, morreu aos 95 anos. De acordo com o New York Times, a causa foi insuficiência cardíaca.

Muitas das obras de arte de Irwin são sobressalentes e elegantes, com tubos de iluminação e telas atuando como alguns dos elementos recorrentes em toda a sua obra. Suas esculturas e instalações não parecem estáticas, como a maioria das outras obras de arte. Eles parecem mudar – embora sutilmente – dependendo de como e onde são vistos, e tendem a mexer suavemente com os sentidos de percepção dos espectadores.

Quando Irwin começou a produzir esse tipo de arte, durante os anos 60 e 70, o minimalismo estava em voga na Costa Leste, e a especificidade do local – a maneira como uma obra de arte dialogava com os parâmetros do espaço em que foi ambientada – era considerada primordial. Irwin, que fazia parte de um movimento californiano conhecido como Luz e Espaço, tomou uma atitude diferente, produzindo um trabalho que, segundo ele, não era específico do local nem, como ele dizia, “dominador do site”, na medida em que não sobrecarregava uma galeria. Em vez disso, ele lutou pelo que chamou de Arte Condicional.

Seu projeto de 1970 para o Museu de Arte Moderna deu início a uma série de obras de scrim que se tornariam algumas das obras marcantes da época. Parte da peça consistia em um teto de ripa de nylon. Esse era seu componente mais óbvio – outros elementos menos perceptíveis incluíam mudanças na iluminação da galeria e um fio esticado diante de uma parede. “Usando tela e fio de nylon e com ajustes de luz”, observou seu curto comunicado à imprensa, “Irwin ativa nossa consciência da fisicalidade do volume e intensifica nossa percepção espacial”.

Ele faria algo semelhante com Scrim veil – Black rectangle – Natural light, Whitney Museum of American Art, Nova York (1977), uma das obras mais icônicas já realizadas naquela instituição. Ele apresentava uma tela atravessando uma galeria de sua antiga casa projetada por Marcel Breuer e utilizava a luz do sol que entrava através de uma janela, iluminando apenas uma parte dela. A maioria das pessoas que viu não sabia o que estava vendo. “As pessoas saíam do elevador, diziam: ‘Hmm, sala vazia’ e voltavam antes que as portas se fechassem”, disse Irwin ao Times em 2013, quando o trabalho foi reiniciado no Whitney.

As ambições de Irwin continuaram a crescer. Trabalhos semelhantes envolvendo efeitos de iluminação e telas foram encenados em instituições como a Dia Art Foundation, de Nova York, que, em 1998, montou uma estrutura de 18 salas cujas paredes foram formadas de tecido. Quando essa peça foi reencenada em 2015 sob um novo título, Irwin disse: “A coisa não é frontal, não é linear, não é sequencial, não há começo, meio ou fim. Você poderia, essencialmente, entrar em qualquer lugar.”

“Em minha longa carreira, tive o privilégio de trabalhar com alguns dos maiores artistas do século 20 e desenvolver amizades profundas com eles, mas nenhum maior ou mais próximo do que Robert Irwin”, disse Arne Glimcher, fundador da Pace Gallery, que representa Irwin. “Em nossos 57 anos de relacionamento, sua arte e filosofia ampliaram minha percepção, moldaram meu gosto e me fizeram perceber o que a arte poderia ser.”

Robert Irwin nasceu em 12 de setembro de 1928, em Long Beach, Califórnia, filho de um pai que possuía uma empresa de empreiteiras. Depois de frequentar a escola em Los Angeles, Irwin se juntou ao Exército no final da década de 1940 e passou um tempo na Europa. Mas seu coração estava na Califórnia, e ele acabaria retornando a Los Angeles para frequentar uma série de escolas de arte.

Em 1957, Irwin começou a trabalhar em um modo expressionista abstrato, produzindo pinturas que eram “realmente ruins”, como ele disse à Apollo em 2015. Ele saiu dos anos 50 um artista totalmente diferente, muito mais comprometido com seu ofício. Ele mostrou algumas dessas abstrações pictóricas na Ferus Gallery, a galeria de Los Angeles com uma sensibilidade fora do comum que viria a promover Larry Bell, Andy Warhol, Billy Al Bengston, Ed Ruscha e outros artistas.

Durante os anos 60, o trabalho de Irwin deu uma guinada em direção ao mínimo. Suas abstrações foram reduzidas a um monte de linhas em cores variadas, depois despojadas ainda mais, até que tudo o que ficou para trás foram muitos pontos que se fundiram no olho da mente para formar formas.

E então, tendo reduzido a pintura ao seu básico, começou a brincar com a própria natureza da tela, produzindo obras convexas feitas de alumínio e plástico. Quando vistas em uma galeria, essas obras às vezes se misturavam à parede, apenas para se distanciar dela devido às sombras lançadas contra seu suporte pela iluminação do espaço.

Os plásticos usados por Irwin foram produzidos em uma oficina de carrocerias de Los Angeles. Como Bell e outros artistas da Luz e do Espaço, Irwin investiu em materiais bem diferentes da tinta a óleo rarificada e das telas imponentes. À medida que sua arte caminhava cada vez mais em direções estranhas e novas, ele parou de produzir o que parecia ser pintura por completo, tornando sua arte escultural.

As peças de tela, assim como as de plástico, tinham suas raízes na indústria e no consumo de massa. Durante uma viagem a Amsterdã, ele se apaixonou pelas sombras das janelas que eram onipresentes lá. Ele decidiu que tinha que ter esse elemento em sua arte, e continuaria a confiar nele por muitos anos depois.

Entre as décadas de 1970 e 2010, a arte de Irwin cresceu e se tornou mais ambiciosa. Ele projetou um jardim para o Getty Center em Los Angeles que foi concluído em 1998 e é composto por círculos dentro de círculos de plantas. Não contém nenhuma escultura, mas contém a mesma atenção de Irwin ao espaço e à percepção que se repete em todos os seus objetos.

Alguns projetos, como um destinado ao aeroporto de Miami, eram simplesmente grandes demais e nunca foram realizados. Outros ainda foram épicos e acabaram sendo trazidos ao mundo, embora não sem dificuldade.

Trabalhando ao lado de arquitetos do OpenOffice, Irwin atuou como designer do Dia:Beacon, o Upstate New York que abriga muitas instalações de grande escala de propriedade da Dia Art Foundation. A mudança foi incomum – a maioria dos museus é concebida por arquitetos profissionais com empresas consideráveis – e Michael Govan, ex-diretor da fundação, disse que inicialmente enfrentou resistência à ideia. No entanto, o edifício, situado em uma fábrica abandonada de Nabisco, agora é considerado uma meca para os amantes da arte, obsessivos do minimalismo e viajantes de um dia, e é valorizado por sua iluminação e sua arejamento.

Ao longo de uma carreira de mais de um século, Irwin colecionou muitos elogios, incluindo uma bolsa de “gênio” MacArthur em 1984, tornando-o o primeiro artista a receber a distinção, e uma bolsa Guggenheim em 1976. Ele teve grandes exposições no Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles e no Museo Reina Sofía, em Madri, e apareceu na Documenta 4 em 1968 e na Bienal de Veneza de 1976, para a qual “ele esticou um pedaço de corda em um retângulo que delineava a luz sendo filtrada através de uma árvore”, como relatou certa vez o Washington Post.

Irwin mudou para sempre algumas das instituições que mostraram seu trabalho. O Museu de Arte Contemporânea de San Diego, por exemplo, abriga uma instalação permanente de sua autoria feita com 115 tubos de iluminação. Apropriadamente, chama-se Luz e Espaço (2007). Obras consideráveis também aparecem no Museu de Arte de Indianápolis e na Fundação Chinati em Marfa, Texas.

“A morte de Robert Irwin será sentida em todo o mundo da arte e é especialmente comovente em nossa comunidade e no Museu de Arte Contemporânea de San Diego”, disse a diretora e CEO da instituição, Kathryn Kanjo. Esse museu tem o acervo Irwin mais vasto de qualquer instituição em todo o mundo, com 55 peças em seu acervo.

Robert Irwin: A Desert of Pure Feeling, documentário de longa-metragem sobre o artista, começou a ser transmitido nos EUA na semana passada.

O interesse por seu trabalho continuou até uma exposição da Pace Gallery em 2020, que ele chamou de “canto do cisne”. Questionado sobre a corrida de atenção no final da carreira, um Irwin humilde disse ao Los Angeles Times: “Estou tendo um momento? Não. Estive aqui toda a minha vida.”