O pintor americano Richard Anuszkiewicz, um dos principais defensores da arte Op que experimentou a percepção através de harmonias tonais surpreendentes, morreu aos 88 anos. Depois de orientar Josef Albers na década de 1950, Anuszkiewicz tornou-se conhecido por aninhar quadrados de matizes vibratórios e complementares em suas pinturas – composições formalmente sofisticadas, mas divertidas, que fascinam suas explorações de luz, croma e linha. Ao lado de seus colegas europeus Bridget Riley e Victor Vasarely, as imagens de Anuszkiewicz sugerem dimensões muito além daquelas que ocupavam, tratando de muitas maneiras a retina humana como sua tela. O artista, que considerou seu trabalho profundamente espiritual, disse uma vez que “a cor é o meu tema e sua performance é a minha pintura”.
Nascido em 23 de maio de 1930, em Erie, Pensilvânia, filho de pais imigrantes poloneses, Anuszkiewicz frequentou o Cleveland Institute of Art em Ohio antes de treinar com Albers, ex-professor da Bauhaus e pioneiro em teoria de cores, na Escola de Arte da Universidade de Yale, onde ganhou seu mestrado e abandonou todas as figuras de sua arte. Ele continuaria a elaborar e estender a abstração geométrica de Albers, que abriu o caminho para o movimento Op art que se desenvolveu nas décadas de 1960 e 1970. Depois de se mudar para Nova York no final dos anos 50 e desenhar para a Tiffany, Anuszkiewicz começou a mostrar seu trabalho – fora de moda em meio ao apogeu do expressionismo abstrato – para os revendedores, chegando a sua primeira mostra solo na The Contemporaries Gallery, em 1960. Provou ser um sucesso, com o diretor do Museu de Arte Moderna Alfred F. Barr Jr. comprando uma tela logo antes do encerramento da exposição. Naquele ano, Anuszkiewicz casou-se com Elizabeth Sally Feeney, com quem teria três filhos.
Em meados da década de 60, Anuszkiewicz havia se estabelecido amplamente através de sua inclusão em várias mostras do MoMA – incluindo a decisiva pesquisa The Responsive Eye em 1965 – e através de produções em série como Sol (1965), um quinteto de irradiações, quadriláteros concêntricos claramente em influencia com a Homenagem à Praça de Albers (1950-76). Como a própria Op art, a série – mostrada por Sidney Janis, o negociante de tendências cujo estábulo incluía muitos dos artistas mais proeminentes da década – críticos polarizados, que elogiavam sua beleza ou viam o trabalho como friamente calculado. No estilo Bauhaus, ele estava feliz em assumir comissões comerciais, estampando seus padrões de assinatura em cartas de baralho, utensílios e até mesmo um casaco de pele. Ele também investiu em escultura cúbica e gravura, produzindo suas primeiras telas para o MoMA na forma de Cartões de Natal . Uma grande retrospectiva foi realizada no Museu de Arte de Cleveland em 1966, e Anuszkiewicz foi incluído na Documenta de Kassel no ano seguinte; ele iria expor em inúmeras exposições em todo o mundo, incluindo as Bienais de Veneza e Florença e The Structure of Color (1971), de Marcia Tucker, no Museu Whitney de Arte Americana, e seu trabalho reside nas coleções permanentes de inúmeros museus.
Anuszkiewicz – que lecionou na Cooper Union, na Universidade de Wisconsin, na Cornell University e na Kent State University – continuou buscando a abstração da Op Arte durante toda a sua prática, que durou até sua morte, apenas alguns dias antes de seu nonagésimo aniversário. Sua produção em meados dos anos 70 inclui sua famosa série Centered Square, e os anos 80 viram uma concentração mais sutil de luminosidade e atmosfera, notadamente na Temple Series, grupo de imagens (e pós-imagens) de décadas que cujas colunas cintilantes foram inspiradas por uma viagem ao Egito. Ele começou a se distanciar do rótulo Op, considerado por muitos durante sua primeira infância uma novidade e descartado por grandes críticos como Clement Greenberg e Donald Judd, que cunharam a frase. “As pessoas pensaram que eu sempre quis chocar os olhos”, ele disse ao New York Times. “Eu não queria chocar os olhos. Eu queria usar cores juntas que nunca haviam sido usadas juntas antes. Ainda estou fazendo o que estava fazendo, mas com mais profundidade”
Fonte e tradução: Artforum
