Maior individual de David LaChapelle nos EUA apresenta mais de 150 obras

A Fotografiska New York apresenta Make Believe, a maior exposição nos EUA e primeira exposição individual em museu de Nova York do artista e fotógrafo David LaChapelle. A coleção de 150 trabalhos, alguns nunca exibidos, é intercalada com imagens icônicas e ressonantes entre gerações da cultura visual das quais David LaChapelle estava por trás, desde o último retrato de Andy Warhol a dezenas de capas de álbuns de todos os gêneros musicais.

As primeiras obras da exposição foram criadas em meio à epidemia de AIDS, que afetou tragicamente a comunidade gay de Nova York, da qual LaChapelle fazia parte. Em 1986, LaChapelle conheceu Warhol, um colega católico que também teve seu círculos de amigos afetado pelo vírus. As obras de LaChapelle desta época foram feitas nesse contexto de desespero existencial, usando sua câmera e processos de manipulação experimental de pós-produção como forma de dar sentido às coisas.

Com uma linha abrangente de referências à História da Arte, Make Believe foca tematicamente na interação cultural de cinco temas: religião, meio ambiente (e a dualidade do homem e do mundo natural / artificialidade e natureza), identidade de gênero, corpo imagem e ideais sociais de beleza, e explorações em camadas em torno da construção da celebridade.

A influência da prática artística de David LaChapelle se estende por quatro décadas; sua primeira exposição individual foi em 1984 (na Galeria 303, localizada a apenas um quarteirão da Fotografiska New York) e sua primeira comissão de arte pública em grande escala, pelo venerável programa MTA Arts para exibição no sistema de transporte público da cidade de Nova York foi em 1988. Juntamente com sua prática artística, o status de LaChapelle como fotógrafo editorial de ponta na confluência de arte e moda disparou no início da década de 1990 com a assinatura de dezenas de encomendas para as principais revistas de moda do mundo. Seu diverso repertório de impacto cultural também inclui 19 capas da Rolling Stone, além de ter fotografado colegas artistas como Cecily Brown, David Hockney, Jeff Koons e Kehinde Wiley.

Sobre o tema dos primeiros trabalhos de LaChapelle, descreve Nathalie Deitschy, autora de um dos textos da exposição: “Na década de 1980, LaChapelle começou a fotografar sua comitiva [toda parte da comunidade fortemente afetada pela epidemia de AIDS] como santos, mártires ou anjos, expressando o sentimento de luto enquanto explora possíveis caminhos de uma alma que persiste além do corpóreo. Ele questiona a possibilidade de retratar o não fotografável (como dar corpo à alma?) e capacidade do meio fotográfico de abordar assuntos sobrenaturais. Seus primeiros trabalhos são marcados por um apego à materialidade da fotografia analógica, com LaChapelle trabalhando em seus negativos a partir de várias técnicas (colagem, adição de tinta, realces de cores). No entanto, através de sua abordagem eminentemente pictórica, LaChapelle acrescenta uma profundidade estética e espiritual às suas fotografias, que se libertam do contato direto com a realidade para propor uma pós-vida imaginária. Suas fotografias recentes ecoam os primeiros experimentos da década de 1980. A sofisticação contemporânea de ferramentas digitais permite uma dimensão sobrenatural para as imagens.”

Disse LaChapelle: “Meus primeiros trabalhos da década de 1980 foram motivados por uma busca para representar um Deus amoroso, a natureza da alma e o céu durante um período devastador em que perdi muitos amigos. Minha profissão me levou a trabalhar em temas da cultura popular e secular. Com o tempo, comecei a perceber como minha fé em Deus estava me mantendo firme em minhas lutas pessoais, e enquanto isso, o mundo da cultura pop estava se afastando da religião e se concentrando mais na fama, riqueza e individualismo. Isto tornou evidente que eu não poderia separar minha vida pessoal do meu trabalho. Sinto a responsabilidade de trazer luz ao mundo e criar imagens que possam elevar e servir a humanidade, mesmo às vezes empregando drama e humor. Seculares ou religiosas, minhas imagens fazem parte da mesma experiência e perspectiva em evolução”.

A presença de LaChapelle no zeitgeist da cultura pop floresceu inabalavelmente ao longo de cinco décadas: uma filmagem de 1983 de Eartha Kitt; o último retrato de Andy Warhol sentado em 1986; fotos dos anos 1990 de ícones culturais como Pee-Wee Herman, Elizabeth Taylor e John Waters; o cartão de Natal Kardashian de 2013. Seu impacto na cultura visual é inegável em todas as indústrias criativas, mas é particularmente acentuado na música. LaChapelle é o visionário por trás de inúmeras capas de álbuns de renome, todas unificadas por um refinamento visual exclusivo que oscila entre ousado e etéreo. Sua capacidade irresistível de estabelecer um conexão interpessoal com seus temas de celebridades se traduz em uma sensação palpável de vulnerabilidade e intimidade.

Também digno de nota sobre Make Believe é o layout físico da mostra: a fluxo de exposição semelhante a uma jornada, com ênfase em experiências de imersão e transições temáticas, foi projetado e executado em estreita colaboração com o artista e seu estúdio. O estilo arquitetônico neogótico de 1894 da Fotografiska New York arquitetura está em perfeita harmonia com o trabalho estilizado centrado em Jesus e na iconografia religiosa de LaChapelle.

Um trabalho fundamental da mostra é o tríptico Dilúvio (2006), que engloba vários aspectos centrais de LaChapelle (religião, existencialismo e referências históricas da arte). Inspirada na pintura homônima de Michelangelo que adorna a Capela Sistina, LaChapelle descreve Dilúvio como “um crítica da raça do consumidor, o declínio de valores universais como bondade e empatia, e o crescente apego aos bens materiais”. Ele continua, fornecendo contexto pessoal: “O dilúvio veio de um estado de profunda reflexão depois que me mudei de Los Angeles para o Havaí. A ideia é que a vida está chegando ao fim, mas você está lá ajudando o outro em meio ao caos. Esta é a minha maneira de tentar mostrar a natureza humana no seu mais alto nível. A obra é uma grande metáfora sobre perder tudo o que é material, sua saúde, seu corpo – e estar em seu leito de morte com a última chance de iluminação”.