Equipe de curadores cria um sistema para os artistas indígenas prosperarem

Adam canta nas madeiras, “Indigenizando espaços colonizados com Starla Thompson, Potawatomi / Chumash” (2019), foto em Kodak Metallic Paper (foto de instalação por Mel Carter)

Ultimamente, a palavra ‘descolonização’ tem sido divulgada em todo o mundo nas artes nacionais e regionais, mas costuma ser mal usada ou mal interpretada. Em Seattle, o termo foi usado com frequência para descrever a yəhaw̓, a primeira exposição da Galeria ARTS de Seattle, de 2mil quadrados, recentemente reformada, no Office of Arts & Culture ARTS Gallery, no segundo andar da histórica e ainda em funcionamento Estação King Street. A exposição, que decorreu durante todo o verão, recebeu o nome de uma palavra Lushootsheed que significa “prosseguir, seguir em frente e fazê-lo”, e refletiu“Uma narrativa sutil e inclusiva que estabelece firmemente as contribuições vitais geradas por pensadores e criadores nativos, aqui e agora.” Seus três curadores – Tracy Rector (Choctaw / Seminole), Asia Tail (Cherokee) e Satpreet Kahlon – foram elogiados por descolonizar a exposição, aceitando obras de arte de todos os artistas indígenas identificados por meio de uma chamada aberta e por apresentar o trabalho de mais de 200 artistas indígenas residentes em Washington, Oregon, Alasca, Montana e Colúmbia Britânica, com muitos outros artistas representados em duas publicações sobre zines e várias exposições por satélite e programas públicos em todo o condado de King. Mas você não ouvirá seus curadores chamarem yəhaw̓ de exposição descolonial. Então, o que é isso, se não é isso?

Vamos tentar tomar a premissa básica dos curadores – que este é um programa com curadoria de artistas e comunidades indígenas que vivem e trabalham no noroeste do Pacífico – como um fato simples, não como uma exceção. Ao fazer isso, é muito mais interessante considerar o yəhaw̓ como um exemplo de criativos indígenas que têm soberania sobre sua representação e recursos visuais, ou o que a artista-estudiosa Leanne Betasamosake Simpson (Michi Saagiig Nishnaabeg) chamaria de “ressurgimento e co-resistência indígena. Como escreve Simpson, em projetos de ressurgimento indígena, o bem-estar dos indivíduos está diretamente ligado ao bem-estar dos coletivos; movimentos ressurgentes tentam “centralizar práticas e pensamentos indígenas em nossas vidas como atos cotidianos de resistência e transformar essas ações e processos em uma mobilização em massa”. Ao ganhar e manter criativamente os recursos e acesso, sendo transparente sobre orçamentos e processos curatoriais e trabalhar no sentido de criar espaços temporários e permanentes para apresentar os criadores indígenas, a equipe curatorial da yəhaw̓ criou novos sistemas que devem inspirar todos os trabalhadores da arte.

Entrando no yəhaw̓, os espectadores receberam várias maneiras de entrar no espaço depois de passarem pelo saguão com divisória de vidro, onde a pele de búfalo tingida de arco-íris de Richard Heikkilä-Sawan (Driftpile Cree) serviu como uma bandeira de boas-vindas. A enorme planta de piso aberto foi dividida por vigas estruturais e paredes móveis penduradas em intervalos escalonados para incentivar o meandro, mas “Songs for the Standing Still People”, uma instalação de mídia mista de Timothy White Eagle (White Mountain Apache), era natural peça central. Uma plataforma pesada e circular de madeira erguia-se majestosamente dos pisos de concreto da galeria, cercada por uma cortina de corrente de bola que tilintava quando você entrava em um espaço “projetado para cantar nas rochas em seu centro”. Sugerindo leveza e peso, esse espaço permeável ganhou vida com performances duracionais lideradas por White Eagle ao longo da exposição. Nos dois lados de “Songs”, retratos centravam a vida das mulheres indígenas. Kali Spitzer (Kaska Dena / Jewish) tinha um trio de tipos escaneados comemorando a sexualidade e a resiliência das mulheres: “Fern II” apresenta uma femme de cabelos encaracolados, vestindo uma pesada corrente de ouro, os mamilos visíveis através da camiseta branca fina, retornando ao espectador olhar e se recusar a ser recatada ou envergonhada. Do outro lado dessas gravuras, Adam Sings In The Timbers (Apsáalooke) exibia “Espaços colonizados indigenistas”, um tríptico fotográfico de mulheres em trajes de gala, cada uma no meio de uma área metropolitana. O ambiente de cada mulher é estranhamente vazio, com a exceção de um homem negro chamando um táxi em uma foto, que produz um efeito visualmente impressionante, mas discursivamente desafiador – a visão política do artista de indigenizar terras colonizadas significa a evacuação de todos os colonos,

Adam canta nas madeiras, “Indigenizando espaços colonizados com Starla Thompson, Potawatomi / Chumash” (2019), foto em Kodak Metallic Paper (foto de instalação por mel carter)
Durante a exposição, as apresentações em estilo de salão desafiaram os espectadores a desenhar suas próprias conexões; a identificação do texto era escassa e, se você perdeu o guia impresso da exposição, não teve sorte. Uma estratégia de exibição comum era a justaposição de estilos entre formas relacionadas, o que confundia o binário entre a arte contemporânea e a costumeira . Uma área com peças de tecido, tecido ou tecido parecia, à primeira vista, uma exibição antropológica tipificada – chapéus pendurados em uma fileira em um muro alto, com vitrinas de objetos de madeira, tecidos e metais embaixo. Em uma inspeção mais detalhada, no entanto, todos esses objetos evidenciavam o trabalho físico e o desejo de seus criadores de inovar o artesanato como arte. Minha peça favorita do show estava nesta seção: um pequeno receptáculo de papel pardo revestido de pele macia afixada a um suporte de metal, semelhante a um cesto de roupa suja ou uma lixeira. Em dois painéis exteriores, a artista Maureen Gruben (Inuvíaluít) costurou anúncios vintage de peles da Hudson Bay Company – um lembrete de uma das primeiras indústrias coloniais coloniais da América do Norte – para completar sua “Colonial Shopping Bag” (2018). Perto desta peça havia um chapéu de cedro adornado com cabelo humano, pele de gamo e miçangas,

Kimberly Miller, “Kimberly’s Toolbox” (2005), cedro vermelho do norte, cedro amarelo, grama de centeio, ráfia, ferramentas modernas e tradicionais (foto de mel carter)
Outro forte emparelhamento foi o de um vídeo experimental de fabian romero (Purepécha) com a peça sonora “Trial of Birds” (2019) de Vi Levitt / KERUB (Métis). “Trial of Birds”, com seus cantos de pássaros desconstruídos e falhas ambientais, poderia servir como uma trilha sonora alternativa ao filme de Romero de fotografias e memórias de infância do México e sua subsequente migração para El Norte . A combinação dessas duas peças realiza uma passagem sonora e visual entre as experiências indígenas queer do Canadá ao México, dando uma nova ressonância ao mandador de Romero de que “se você ouvir, poderá ouvir a terra pedindo para conhecer sua história”. Se essas conexões foram perdidas pelos espectadores, tudo bem também. Ao privilegiar ativamente um olhar indígena, vocêOs curadores da construíram incompreensibilidade diretamente na estrutura da exposição. A prática da soberania visual e curatorial ocorre às custas do entendimento não-nativo – como deveria ser.

Enquanto as mensagens políticas referentes à soberania, genocídio ou colonialismo eram menos evidentes – exceções notáveis ​​foram “A Nation is a Massacre” de Demian DinéYazhi (2019), “Red / Act” (2019) de Jessica Mehta (Cherokee) e o poético “Ancestors ”(2016) por Storme Webber (Alutiiq / Black / Choctaw) – o desenrolar de anos de yəhaw foi um ato político de ressurgimento e uma projeção de futuro indígena. Discutir a descolonização nas artes geralmente centra o colonialismo dos colonos como a estrutura ou evento singular ao qual os artistas indígenas devem responder continuamente, devolver o olhar ou subverter e criticar; em suas melhores iterações, descolonizar as artes necessariamente coloca em primeiro plano o desmantelamento ou a transformação estrutural das instituições, o repatriamento de objetos roubados e a criação de acesso e recursos para curadores e artistas indígenas que trabalham em instituições artísticas. Embora sejam atos incrivelmente importantes, os curadores de y’haw têm um objetivo diferente: focar no que Asia Tail chama de “presença ativa” dos povos indígenas. Ao priorizar a construção da comunidade e a orientação de artistas emergentes, yəhaw̓ ‘Os curadores da s vêem esta exposição como apenas uma parte de um projeto maior de construção de sistemas ressurgentes para os povos indígenas prosperarem.

O yəhaw̓ correu na ARTS na King Street Station (piso 303 da South Jackson Street, Seattle) e em locais na área de Seattle de 23 de março a 4 de agosto de 2019. A exposição foi comissariada por Tracy Rector, Asia Tail e Satpreet Kahlon. Uma galeria abrangente está disponível online .

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