Entre o estranho erotismo e o socialismo. Relembre as pinturas mais controversas de Courbet

Para quem morou na França do século XIX, a carreira pioneira de Gustave Courbet pode ser dividida em uma série de escândalos. “Desde 1848, M. Courbet tem o privilégio de surpreender a multidão”, escreveu o crítico Champfleury em 1855. “Todo ano esperamos novas surpresas e, até agora, o pintor responde às expectativas de seus amigos, assim como às de seus inimigos.” Em outras palavras, as pinturas de Courbet irritaram as pessoas, e o público pareceu gostar de ficar furioso com sua arte.

Hoje, as pinturas de Courbet são expostas nos maiores museus do mundo e agora são vistas como obras-chave associadas a um estilo conhecido como Realismo, que teve como objetivo mostrar, com detalhes quase fotográficos, a vida cotidiana na França – um assunto que, na época, era antiquado porque não estava em conformidade com as expectativas burguesas das exposições do Salão de Paris, que valorizavam acima de tudo as pinturas históricas e as cenas mitológicas.

Na época, no entanto, as telas de Courbet eram provocações. Eles se baseavam no fervor do artista por ideais socialistas e não evitavam representar a pobreza na sociedade contemporânea. No processo, eles procuraram encontrar uma fusão entre política e arte – embora não sem criar drama ao longo do caminho. Abaixo, uma pesquisa dos trabalhos mais controversos de Courbet e das histórias por trás deles.

Gustave Courbet, Um enterro em Ornans , 1849-1850. GIANNI DAGLI ORTI / SHUTTERSTOCK

Um enterro em Ornans (1849 a 1850)

No ano em que Courbet começou a trabalhar nessa pintura, sua carreira estava em ascensão. Ele havia mostrado um trabalho que descrevia uma cena de jantar no Ornans no Salão de 1849 e recebeu uma medalha de ouro por isso, e ele estava recebendo avisos positivos dos críticos. Então ele mostrou essa pintura de 7 metros de comprimento em Paris, e os críticos o criticaram por isso. “Era como se um tornado tivesse invadido a sala de exposições”, escreveu o crítico Jules-Antoine Castagnary na época. Outro crítico escreveu ironicamente que a pintura era um exemplo do “culto ao feio”.

Porém, esse era o objetivo de Courbet – ele queria pintar algo real e sem envernizamento, e então criou essa cena, uma pintura histórica para os tempos modernos, que se baseia nas pinturas de grupos holandeses anteriores. Nele, ele oferece uma visão sombria de um funeral em uma cidade rural francesa que não é glamuroso, com uma atenção específica dada a indivíduos de classe baixa (os participantes do funeral serviram de modelo). A composição da pintura, com seu buraco aberto no centro, é intencionalmente desequilibrada, e as representações das pessoas nela não são idealizadas da maneira que os personagens das pinturas históricas tendem a ser. A pintura já perturbou seus espectadores, mas agora está no Museu D’Orsay e é considerada uma das melhores obras de Courbet.

Gustave Courbet, A Reunião , 1854. GIANNI DAGLI ORTI / SHUTTERSTOCK

A reunião (1854)

Esta pintura, apresentando Courbet na reunião com um cliente no interior da França, parece simples à primeira vista – mas acabou arruinando uma das amizades mais íntimas que o artista tinha na época. O consumidor em questão é Alfred Bruyas, que cedo se tornou um dos colecionadores mais importantes de Courbet. Para comemorar sua amizade, Courbet criou esta obra, que apresenta o artista à direita, com Bruyas no centro e seu servo Calas à esquerda. Courbet, na forma típica, se apresentava como trabalhador, com uma mochila e uma bengala sugerindo uma longa jornada que levava a esse encontro casual. De fato, porém, Courbet havia adotado um sistema ferroviário recém-inaugurado para chegar lá.

Os críticos haviam acusado Courbet de narcisismo no passado, e o artista que incluía tão proeminentemente sua própria semelhança no trabalho fez pouco para dissuadi-los disso. Quando foi exibida em Paris na Exposition Universelle, que atraiu mais de 5 milhões de visitantes, a pintura foi parodiada como uma “lição de educação dada por M. Courbet a dois burgueses”; outro escritor chamou de “Adoração a M. Courbet, imitação realista da Adoração dos Magos”. Bruyas, sentindo-se atormentado no processo, tentou responder com uma declaração própria e foi principalmente ignorado. Ele não mostrou publicamente a pintura novamente até 1868, quando lhe deu o Musée Fabre em Montpellier, que atualmente é o proprietário da peça.

Mais recentemente, alguns artistas consideraram as brigas envolvendo o A Reunião um exemplo valioso da sensibilidade anti-mercado de Courbet. Marcel Duchamp, que nunca satisfaz as necessidades dos colecionadores, uma vez caracterizou a atitude de Courbet da seguinte forma: “Eu pinto uma imagem, Sr. Collector, você pode tirar ou não, mas não vou mudar, é para você cumprir com minhas decisões. ”

Gustave Courbet, O estúdio do pintor: uma verdadeira alegoria que resume uma fase de sete anos da minha vida artística, 1855. VIA WIKIMEDIA COMMONS

O estúdio do pintor: uma verdadeira alegoria resumindo uma fase de sete anos da minha vida artística (1855)

A impressionante tela de quase 8 metros de largura, o trabalho mais ambicioso de Courbet foi realizado na escala de uma pintura de história, o que significa que ele provavelmente queria que o trabalho fosse para um museu ou outra grande vitrine. Mas esse trabalho, como muitos outros de Courbet, não foi bem recebido: não foi exibido em nenhuma instituição até a década de 1910 (atualmente reside no Museu d’Orsay em Paris) e não foi aceito na Exposição Universelle. Em vez disso, foi exibido no Pavillon du Réalisme, em uma espécie de Universelle anti-Exposição.

O que exatamente essa pintura significa deixou os críticos se perguntando. “É bastante misterioso, manterá as pessoas em dúvida”, escreveu Courbet a um amigo. Pode-se presumir vagamente que o trabalho mostre o estúdio de Courbet, com as figuras ao seu redor atuando como substitutas de ideias maiores – Hélène Toussaint, Linda Nochlin e outros importantes historiadores da arte derramaram muita tinta tentando analisar e identificar cada um deles. Mas, geralmente, presume-se que agora seja uma afirmação sobre a fusão entre arte e vida – que assumiu uma dimensão política para Courbet, que se colocou no centro de sua composição e foi chamado de egoísta por isso.

Gustave Courbet, Moças às margens do Sena , 1856-1857. VIA WIKIMEDIA COMMON

Moças às margens do Sena (1856 a 1857)

O aspecto mais controverso dessa tela, com duas mulheres esparramadas às margens do rio Sena, dificilmente parece transgressivo agora: o fato de estar claramente definido na Paris dos anos 1850. Na época, a maioria dos artistas criava seu trabalho como se ele existisse no passado. Mas Courbet, fiel aos seus objetivos realistas, colocou a pintura no que era então o dia atual, deliberadamente chamando a atenção para estilos de roupas que seriam vistos como sendo do momento. Quando foi exibido no Salon de 1857, mesmo o crítico Champfleury, um dos defensores de longa data de Courbet, não pôde deixar de dizer que o artista se “desviou”.

Acrescentando à controvérsia estava a dimensão sexual do trabalho. Os vestidos de ambas as mulheres são levemente puxados para cima, como se quisessem sugerir uma corrente erótica. “Se alguém escolhe se envolver em uma ligação homossexual em potencial entre as duas mulheres, permanece um erotismo indolente que exala todos os detalhes da composição”, escreveu o historiador de arte Dominique de Font-Réaulx. Os críticos entenderam isso na época e ficaram perturbados.

Gustave Courbet, A Origem do Mundo, 1866. GIANNI DAGLI ORTI / SHUTTERSTOCK

A Origem do Mundo (1866)

Quando A Origem do Mundo foi pintada, o trabalho não seria bem conhecido. Uma visão em close da região pélvica de uma mulher, foi de propriedade de um diplomata turco-egípcio que convidou amigos íntimos para vê-la e passou pelas mãos de vários proprietários ao longo do tempo, incluindo o psicanalista francês Jacques Lacan. (Atualmente é de propriedade do Museu d’Orsay). Parte da razão pela qual a obra não gerou muita controvérsia quando foi pintada pode ser devido à sua história de exibição: não foi vista publicamente até 1988, quando historiadores da arte Sarah Faunce e Linda Nochlin fizeram o Brooklyn Museum de Nova York mostrar isso. Quando o Museu do Brooklyn exibiu a pintura, o crítico John Russel do New York Times escreveu: “Ainda hoje, sua representação precisa e magistral da genitália feminina manteve seu poder de surpreender”.

Os estudiosos notaram que a pintura, apesar de sua natureza aparentemente sexual, pode não ter a intenção de ser erótica. Nochlin chamou de “pornografia”, mas alardeava seu valor artístico, observando que agia como uma destilação adequada do realismo por causa de seu olhar frio e inabalável. Laurence des Cars, diretor do Museu d’Orsay, escreveu: “O carnalmente óbvio é contrabalançado pela metáfora de que esse simples fragmento – e deixando seu título de lado – só pode tornar atraente”. Enquanto isso, as artistas feministas veem a pintura como um exemplo de objetificação das mulheres através do olhar masculino e, em 2014, Deborah de Robertis ficou nua da cintura para baixo e abriu as pernas na frente do trabalho como um ato de protesto.

Fonte e tradução: ARTnews

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