De Frida Khalo acamada à Egon Schiele preso, veja 10 obras surpreendentes sobre isolamento

Joseph Beuys, I Like America and America Likes Me (1974). Photo: Joseph Beuys.

O mito do gênio solitário está sendo posto à prova em 2020, à medida que artistas de todo o mundo são forçados a se isolar. Embora a pressão indevida para criar, enquanto na quarentena pode ser contraproducente, um artista do passado têm notado a importância da concentração ininterrupta sobre a produtividade. “Parece-me que hoje, se o artista deseja levar a sério”, Edgar Degas observou certa vez, “ele deve novamente se afundar na solidão”.

Ouvimos falar de Shakespeare escrevendo o Rei Lear  durante a praga e Sir Isaac Newton desenvolvendo cálculo em quarentena. Ao longo da história, os artistas visuais também canalizaram experiências de confinamento para o crescimento artístico.

Aqui estão 10 artistas que encontraram criatividade durante a prisão, o exílio e outros períodos de isolamento.

Ruth Asawa 

Foto Imogen Cunningham © 2017 Imogen Cunningham Trust, obras de arte © Estate of Ruth Asawa

Ruth Asawa segurando uma escultura Form-Within-Form (1952). Foto Imogen Cunningham © 2017 Imogen Cunningham Trust, obras de arte © Estate of Ruth Asawa.

Ruth Asawa é famosa por suas esculturas enigmáticas, quase místicas, de cestas tecidas, que ela comparava com a cota de malha medieval. Ela se tornou aluna de Josef Albers e defensora da educação artística que liderou a criação da Escola de Artes de São Francisco. Mas antes de tudo isso, Asawa, nascida na Califórnia, teve suas primeiras experiências artísticas enquanto era adolescente internada em um campo de detenção japonês durante a Segunda Guerra Mundial. A primeira vez que entrou em um acampamento em 1942, aos 16 anos, viveu na pista de Santa Anita por cinco meses antes de ser enviada para Rohwer, Arkansas, para sua detenção de 18 meses. Embora tenha sido forçada a viver em baias de cavalos reaproveitadas e quartéis cobertos de papel de alcatrão, a adolescente Asawa, no entanto, conseguiu encontrar alguma inspiração ao fazer amizade com vários cartunistas da Disney (também internados) que ensinaram ao artista os fundamentos do desenho. Refletindo sobre suas experiências, Asawa observou: “Não tenho hostilidades pelo que aconteceu; Eu não culpo ninguém. Às vezes, o bem vem da adversidade. Eu não seria quem sou hoje se não fosse pela internação e gosto de quem eu sou.”

 

Edvard Munch

Edvard Munch, auto-retrato com a gripe espanhola (1919).

Edvard Munch, auto-retrato com a gripe espanhola (1919).

Embora muitos artistas tenham lutado para definir visualmente os estragos da gripe espanhola, Edvard Munch não era um deles. O pintor de O grito contraiu a doença e, com seu entusiasmo conhecido pelo mórbido, surpreendeu, criativamente, o olhar para sua própria imagem doentia, pintando Auto-retrato com a gripe espanhola (1919), além de vários outros autorretratos convalescentes. Munch, então com cerca de 50 anos, parecia ter uma constituição mais resiliente do que ele pode ter retratado. Ao contrário de Egon Schiele e Gustav Klimt, que se acredita terem morrido devido a complicações da gripe, Munch se recuperou e viveu cerca de 25 anos depois.

 

Frida Kahlo

Frida Kahlo, Árvore da Esperança (1946).

 

 

No início de sua vida, Frida Kahlo sofreu dois traumas físicos significativos que a deixariam confinada à cama por longos períodos. Aos seis anos de idade, ela contraiu poliomielite. A doença danificou para sempre sua perna e causou dor ao longo de sua vida. Então, 12 anos depois, quando estudante, ela ficou gravemente ferida quando o ônibus em que ela estava colidiu com um bonde, a arremessou do veículo e fraturou a coluna e a pélvis. Até aquele momento, Kahlo havia planejado estudar medicina, mas durante sua longa recuperação, ela voltou suas energias para a arte. Ela pintou seu primeiro auto-retrato da cama. Ao longo de sua vida muito breve, Kahlo periodicamente se tornava incapaz de deixar o quarto devido a uma doença; para se adaptar, ela fez um cavalete e um espelho para sua cama, para poder continuar pintando.

Gülsün Karamustafa

Gülsün Karamustafa, <i> Prison Paintings 6 </i> (1972). Cortesia da Tate.

Gülsün Karamustafa, Prison Paintings 6 (1972). Cortesia da Tate.

 

Uma voz poderosa na cena de arte contemporânea da Turquia, Gülsün Karamustafa cria obras que tecem comentários sociopolíticos, autobiografia, cultura pop e folclore turco por meio de colagem, figurino, máscaras e adereços (ela trabalhou como cenógrafa). Durante o golpe turco de 1971, a artista foi presa e encarcerada por ajudar dissidentes políticos. Após sua libertação, e proibida de deixar o país por 16 anos, ela pintou sua poderosa série Pintura na Prisão – 15 obras feitas de memória que retratam momentos ternos e íntimos na vida de suas companheiras de prisão. “Eu os fiz para lembrar, para poder manter em mente o que aconteceu”, comentou o artista mais tarde.

 

Egon Schiele 

Egon Schiele, prisioneiro! (24 de abril de 1912). Cortesia da Albertina.

Egon Schiele, prisioneiro! (24 de abril de 1912). Cortesia de Albertina.

Egon Schiele viveu um estilo de vida não convencional, tanto para os padrões de seu tempo quanto para o nosso. Ele e sua amante adolescente e musa Wally eram frequentemente excluídos quando se moviam pela Áustria. Mas foram os retratos eferidos, contorcidos e sexualizados de Schiele que mais escandalizaram o público. Em abril de 1912, esse desconforto veio à tona quando a casa e o estúdio de Schiele foram saqueados por policiais locais em busca de evidências de imoralidade. Mais de 100 desenhos de Schiele foram apreendidos e o artista ficou preso por 24 dias enquanto aguardava julgamento por acusações de pornografia.

A prisão de Schiele provou ser talvez o evento mais profundo e emocionalmente prejudicial na curta vida do artista, mas ele canalizou seus sentimentos para seus Desenhos da prisão – uma série de composições psicologicamente cruas que são consideradas as mais importantes de sua carreira. Embora Schiele tenha sido absolvido das acusações contra ele, ele foi condenado a mais três dias de prisão após o julgamento por “não armazenar nus eróticos em um local suficientemente seguro”.

 

Barbara Ess

Barbara Ess, Escada de incêndio [Shut-In Series] (2018-2019). Cortesia de Magenta Plains.

Barbara Ess, Escada de incêndio [Shut-In Series] (2018-19). Cortesia de Magenta Plains.

Barbara Ess dominou a foto da escada de incêndio muito antes de nós. A fotógrafa e música americana faz fotografias sombrias com uma câmera pinhole há décadas, capturando todo tipo de vida, desde cenas noturnas da cidade de Nova York nos anos 80 até, mais recentemente, vida na fronteira EUA-México.

Em 2018, Ess se viu escondida em seu apartamento com um caso grave de bronquite que durou mais de um mês. Com uma abertura criativa muito menor (e literal), a artista voltou-se para as vistas de seu apartamento e os pequenos detalhes de sua esfera doméstica diária. Com isso, nasceu sua série Shut In – um conjunto de pequenas impressões marcadas com giz de cera prateado, preto e branco e, posteriormente, digitalizadas e ampliadas.

Joseph Beuys

Joseph Beuys, eu gosto da América e a América gosta de mim (1974). Foto: Joseph Beuys.

Joseph Beuys, eu gosto da América e a América gosta de mim (1974). Foto: Joseph Beuys.

 

Em 1974, Joseph Beuys trouxe o chamado da natureza para dentro de casa com sua performance I Love America e America Loves Me. Durante três dias, o artista nascido na Alemanha viveu em uma galeria de Nova York com um coiote selvagem. Beuys considerou o coiote a personificação do individualismo americano indomável, e o confinamento foi concebido como a reconciliação simbólica do artista com a natureza. Surpreendentemente – e após um período de fúria e rasgar a vestimenta incomum de Beuys – o animal tornou-se tolerante com a presença do artista, até aceitando um abraço no final da apresentação.

Tracey Emin

Tracey Emin, Exorcismo da última pintura que já fiz (1996). Cortesia de Christie’s.

 

Aumentando a aposta nas quarentenas das galerias, em 1996, Tracey Emin se instalou em uma galeria trancada em Estocolmo por duas semanas, com nada além de um lote de telas em branco e seus materiais de arte. Totalmente nua (não sabemos por que), Emin podia ser vista furiosamente criando por meio de um conjunto de lentes grandes angulares instaladas nas paredes da galeria. Primeiramente se aprofundando nas imagens inspiradas nos artistas que ela amava (Schiele, Munch, Yves Klein), Emin acabou trabalhando em seus legados para chegar à sua própria linguagem visual profundamente autobiográfica. O projeto, chamado Exorcismo da última pintura que já produzi, resultou em 12 telas em larga escala, sete pinturas corporais e 79 desenhos e esboços – e provaria ser um dos marcos mais significativos em sua carreira. O corpo do trabalho foi vendido na Christie’s em 2015 por 722.500 mil libras.

 

Claude Cahun e Marcel Moore 

Claude Cahun, Auto-Portait (1945).

Claude Cahun, Auto-Portait (1945).

Irmãos adotivos, amantes e artistas de vanguarda, Claude Cahun (Lucy Schwob) e Marcel Moore ( Suzanne Malherbe) procuraram o isolamento – mas não foi exatamente como o esperado. Enfrentando um crescente anti-semitismo em Paris (o pai de Cahun era judeu), a dupla mudou-se para Jersey nas Ilhas Anglo-Normandas, na Inglaterra, em 1937, mas no final da década ficou claro para todos que os nazistas assumiriam o controle da área. Embora muitos habitantes tenham fugido, Cahun e Moore decidiram ficar, e – sob um bloqueio militar que durou de 1940 a 1944 – encenaram intervenções inspiradas no movimento Dada destinadas a criar divergências nas fileiras militares alemãs. (Cahun se vestia de homem e colocava notas sobre o absurdo da guerra nos bolsos dos uniformes dos soldados, por exemplo.)

Quando os dois foram descobertos e presos em 1944, as autoridades nazistas tiveram dificuldade em acreditar que haviam gerenciado a ampla campanha sozinhos. Na casa dos 50 anos, Cahun e Moore foram condenados à morte, mas a punição nunca foi executada. Embora estivessem prontos para ser martirizados por sua causa, os companheiros ao longo da vida continuaram a criar obras de arte que não correspondiam ao gênero até o fim de suas vidas. Um auto-retrato fotográfico particularmente notável de 1945 mostra Cahun apertando um distintivo de águia nazista entre os dentes.

Fonte e tradução: Artnet

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