POR MARC POTTIER

Com o lema “As cores são um rio, volto à sua nascente”, o artista autodidata franco-americano Stephen Dean afirma um nomadismo que gosta de ultrapassar todo o tipo de fronteiras. Toda a sua obra, desde as suas aguarelas e esculturas, aos seus filmes e instalações, está ligada à “ fisiologia e antropologia da cor”. Esta exploração infinita das ligações entre luz e percepção combina, para Marc Pottier, o inesperado com uma imaginação que zomba das restrições. Ao desviar objetos ou ambientes existentes, ele se concentra no imediatismo da cor e na sua capacidade de preceder a linguagem. A obra “Crescendo”, apresentada na Basílica de Saint-Denis até 29 de setembro de 2024, constitui uma magnífica oportunidade para descobrir sua mais recente utopia colorida.

Stephen Dean, VOLTA, 2003. Art of Sport, Copenhagen Contemporary 2022 | FOTO: David Stjernholm

A cor é onde nosso cérebro e o universo se encontram
Paul Klee (1879 – 1940)

As cores utilizadas por Stephen Dean, artista franco-americano, nascido em 1968 em Paris, são geralmente puras. Suas composições não integram elementos figurativos ou gestos de abstração lírica. Só a técnica pode por vezes entrar na dança, como quando utiliza vitrais dicróicos (como em “Crescendo” na Basílica de Saint-Denis) ou quando trabalha sobre policromias saturadas de sinais térmicos. As obras buscam o minimalismo concentrado em poucos elementos.

Eu uso sistemas de cores muito diferentes. Alguns são ópticos, outros geográficos ou puramente alegóricos, alguns estão organizados numa infinidade de pontos cardeais. Utilizo o termo “pontos cardeais” para pensar na cor como um conjunto de destinos e não como questões de oposição ou complementaridade
Stephen Dean

Cor e suporte criam o trabalho

Aquarelas em palavras cruzadas ou mapas meteorológicos, escadas instaladas flutuando no espaço, intervenções em muros de ruas, colagens de bandeiras, filmes que beiram a reportagem, uma edição de relógios com Swatch (Homenagem às cartelas de cores de tintas domésticas da marca francesa Ripolin)…

Todos os meus trabalhos expressam o fascínio pela cor, pelo seu poder de escapar às definições. Luz e cor são os materiais com os quais investigo as ligações entre a percepção consciente e inconsciente
Stephen Dean

Stephen Dean, Crosswords, 2017, PS 889 IS 889, Brooklyn – Percent for Art NYC | FOTO: DR

A cor se adapta às circunstâncias

O artista nunca está onde esperamos que ele esteja. Se suas fontes de inspiração podem estar ligadas a artistas da história da arte, naturalmente preocupados com a cor, sua obra contempla todas as formas de expressão. Assim, a instalação performática “Around the Corner” imaginada por Stephen Dean em 1996 para a exposição “Walk on the SoHo Side” nas ruas do Soho, em Nova York, foi como um diálogo invisível entre ele e todos os espaços ao ar livre de Manhattan. Em uma esquina ocupada por prédios abandonados onde ficava uma cabine telefônica, ele imaginou uma composição ao estilo de John Baldessari (1931-2020), com elementos geométricos autoadesivos em cores primárias. Distribuiu-os nas paredes da fachada já cobertas de numerosos anúncios, bem como na cabine telefônica. A ocultação de partes das paredes já cobertas por imagens de anúncios de todo tipo deu origem a enquadramentos variados com escolhas e rejeições.

Seu simples gesto de colagem colorida completou, desviou, potencializou, aniquilou e exaltou o “suporte” (parede e cabine telefônica). Todas as contribuições da cor de Stephen Dean, ao transformar os lugares, levaram a outros lugares, a surpresas no espaço público.

No cardápio: viagens e adaptação

A exaltação das superfícies criou um balé diário entre uma população invisível que, todas as noites, cobria a composição colorida com novos anúncios ou anúncios culturais diversos. Esta interação espontânea obrigou o artista a repensar todos os dias o seu projeto, criando assim uma obra evolutiva que se adapta a estes cenários sempre diferentes, como uma feliz coincidência entre a vida da cidade que nunca dorme e o “caos organizado pela cor” de Stephen Dean.

Gosto de mergulhar em contextos onde a arte nem sempre é óbvia, como pintar com o que cabe no bolso, papel de cigarro e caixas de cores
Stephen Dean

Stephen Dean Around the Corner (phonebooth), 1996 | FOTO: Stephen Dean Studio

A cor como uma “série de destinos”

Ao nos confiar suas motivações, o artista chega ao cerne da complexa realidade óptica da cor onde muitas referências se entrelaçam, desde discussões científicas até visões espirituais: “O Tratado das Cores”, a polêmica obra de Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) desencadeia uma briga com Newton e Schopenhauer, onde a luz de um lado e a natureza do outro se chocavam no cerne da cor.

Mas Stephen também pensa na “roda medicinal” dos Lakotas, uma tribo indígena americano-canadense baseada principalmente em Dakota. Para eles, a “roda da medicina” é um símbolo sagrado usado para representar o conhecimento espiritual e a conexão com tudo o que existe no universo. Consiste em um círculo no centro do qual é traçada uma linha horizontal e vertical. Quatro partes representam diversas entidades (búfalo, alce, relâmpago, etc.), as quatro estações e, simbolizadas pelas cores preto, vermelho, amarelo e branco, representam também a diversidade das nações.

Não são inspirações isoladas, trata-se de buscar fontes distantes para misturá-las, colidir com elas. São dinâmicas reais!
Stephen Dean

Stephen Dean, Ladder descending a staircase, 2014, Rice University, Houston, Texas | FOTO: Nash Baker

A energia da cor precede a linguagem

A verdadeira nova pintura começará quando compreendermos que a cor tem vida própria, que as infinitas combinações de cores têm sua poesia e sua linguagem poética muito mais expressivas do que pelos meios antigos. É uma linguagem misteriosa ligada às vibrações, à própria vida das cores. Nesta área existem infinitas novas possibilidades
Sônia Delaunay

Durante a nossa entrevista, Stephen pôde tornar sua a citação de Sonia Delaunay, apontando para a sua paisagem “Contrastes Simultâneos, 1912” onde o colorista se inspira na lei do “contraste simultâneo” desenvolvida em 1839 pelo químico Michel-Eugène Chevreul (1786 -1889): O tom de duas áreas coloridas parece diferente quando observadas justapostas do que quando observadas separadamente, sobre um fundo neutro comum. Esta paisagem é contemporânea da série “Window”, de Robert Delaunay, também centrada na procura da construção da forma através da cor. O motivo da Torre Eiffel, estilizado no centro da composição, é sugerido pela justaposição de duas facetas verdes que superam um mosaico de planos que se cobrem, como uma colcha de retalhos de tecidos.

Os diferentes meios são percebidos como séries, mas acima de tudo são permutações em torno da ideia de que a cor precede a linguagem. Do ponto de vista do processo, todos compartilham o mesmo ponto de partida. Seja uma instalação ou um filme, tudo começa com uma aquarela. Uma mistura de tons do tamanho de uma gota d’água já contém muita informação
Stephen Dean

A cor como símbolo de universalismo e paz

Stephen Dean, Hazard of Frontiers, 1995 | FOTO: Stephen Dean Studio

Em 1995, para a sua participação na exposição da Bienal de Veneza “Avant-garde Walk a Venezia”, Stephen instalou no jardim de um palácio em San Marco “Hazard of Frontiers”, uma paliçada-labirinto de tecido composta por colagens – montagens aleatórias de motivos constituintes de bandeiras de todo o mundo (raros elementos ‘figurativos’ na sua obra). É de fato uma procura de novos acordos, através do desmantelamento de fronteiras, da confusão de símbolos para criar novos países cujos “lemas” seriam encontrar novas harmonias.

Esta utopia evoca Alighiero Boetti (1940 – 1994), o pai italiano da arte conceitual do pós-guerra e uma figura chave na Arte Povera. No Afeganistão, Alighiero Boetti descobriu o trabalho das bordadeiras, guardiãs dos saberes ancestrais, e pediu-lhes que fizessem mapas-múndi, nos quais cada país é ilustrado pela sua bandeira. Com “Tutto” (Tudo) de 1987, uma tapeçaria com 84 cores, as bordadeiras distribuíram milhares de motivos, abstratos ou figurativos, retirados de jornais ou revistas. Justapostas aleatoriamente, as formas saturam a superfície dando origem a um caos de figuras quase irreconhecíveis. Tal como o Universo, a obra evoca unidade e multiplicidade, coesão e dispersão, harmonia e dissonância.

Se Stephen é mais “econômico” e mais minimalista com “sua” cor, muitas vezes a única em jogo, o espírito é o mesmo e, por trás de obras aparentemente “simples”, há toda uma dinâmica de símbolos e utopias.

A progressão da pintura, desde sua concepção até sua encenação, é um modus operandi que me fascina e quis transpô-lo para fora do ateliê para a cacofonia do mundo
Stephen Dean

Sobre o imediatismo da cor

“Tanto minhas aquarelas quanto meus filmes e instalações estão ligados à fisiologia e à antropologia da cor. Desviando objetos ou situações existentes, concentro-me no imediatismo da cor e na sua capacidade de preceder a linguagem. A ideia de que a cor, tal como a música, precede as palavras, persegue-me desde as minhas primeiras pinturas”, especifica o artista, para quem o vídeo e as instalações se revelaram meios mais precisos para levar esta transformação ao limite.

Esta busca pela energia é uma exploração permanente da qual extraio motivos retirados da vida cotidiana juntamente com a abstração e o ritmo. Mesclando essa pesquisa, meus trabalhos se afastam dos acontecimentos que os inspiram, mas privilegiam o boato. Eles capturam as ondulações da realidade sem serem uma camada dela. O tempo e a vibração da cor são expandidos ou comprimidos, assim como o ar é comprimido para lhe dar outro estado
Stephen Dean

Luz e cor são inseparáveis

Claro que para ele luz e cor são duas faces da mesma moeda. Ele afirma isso dizendo: “A luz é uma constante enquanto a cor está em perpétuo movimento, porém as duas são inseparáveis. Para além da observação dos fenômenos ópticos, a compreensão da luz tanto no campo da física como no da filosofia sempre permitiu compreender o nosso universo… desde que a luz divina entrou nos nossos olhos e depois saiu pela pupila para iluminar o mundo, à luz invisível que existe na natureza sem ser perceptível ao olho humano. É através destas vibrações que compreendo a cor como um código e um sinal”.

Um olhar além do visível

Stephen Dean, Trampolines (frame de vídeo) ESAM de Caen | FOTO: Vincent Royer

As novas tecnologias não são estranhas à sua investigação. Assim, em 2009, durante uma residência no Tokyo Wonder Site, Stephen trabalhou com tecnologia de imagem térmica que torna o invisível visível ao traduzir informações de temperatura em cores e permite, entre outras coisas, documentar cenas do cotidiano. Stephen trabalhou com multidões da cidade interpretando as cores da vida cotidiana. Todos os seus planos (os juncos) produziram um corpo maleável de trabalho que assume diversas formas dependendo dos locais e das instalações, como os vídeos “Fever” (um olhar além do visível), as multiprojeções de “Trampolines” (Villa Medici, Koldo Mitxelena/ San Sebastian, ESAM de Caen) ou obras mais monumentais em projeção exterior como foi o caso de “Dixon”, para a noitada de 2011 pelas ruas de Roma.

Da policromia saturada à presença arcaica de imagens

“Estou interessado na policromia saturada do sinal térmico tanto quanto no fluxo – especialmente no estado líquido. Quando uma temperatura no primeiro plano cruza a mesma temperatura no fundo, elas se fundem. A imagem fica plana, resultando em uma imagem bidimensional. Embora seja uma tecnologia elaborada, que ultrapassa os limites do visível, as imagens têm uma presença arcaica”, comenta o artista.

Neste caso, é a câmera que transforma o material encontrado em material artístico, uma multidão em movimento (de acordo com os movimentos dos touros), sem ou com quase nenhuma operação por parte do artista, a não ser a exibição. O material já não é realmente editado, mas simplesmente recortado, sem tentar reconstruir qualquer tipo de narrativa. Torna-se diretamente abstrato porque os personagens (e os animais) aparecem como halos concêntricos de cores que não correspondem a nada que o olho humano vê. São os únicos traduzidos, em detrimento dos ambientes por onde se movem, que são frios e, portanto, não são captados pelo aparelho, pelo menos se este estiver configurado para ser sensível às nuances de calor dos seres vivos
Eric de Chassey, curador, trecho do texto “ Caos organizado pela cor” para o catálogo da exposição Les Mutants na Villa Médicis em 2010.

“Crescendo”, uma miragem-milagre colorida no coração da Basílica dos Reis da França

Stephen Dean, Crescendo, 2023 Basilique de Saint Denis | FOTO: Stephen Dean Studio

A última obra-instalação de Stephen chama-se “Crescendo”, uma escultura em escada de 15 metros de altura suspensa na abside da Basílica de Saint-Denis, que o público poderá ver até setembro. A estrutura de alumínio da escada é claramente delineada por algumas linhas pretas. Mais uma vez o artista utilizou novas tecnologias e vitrais dicróicos coloridos desenvolvidos pela NASA para a exploração espacial entre cada nível. Sua inclinação desenha um raio, um feixe, uma direção. A simplicidade da sua forma não entra em conflito com a riqueza da arquitetura, mas apresenta um estado próximo da levitação, num equilíbrio de linhas e cores resolvidas pela luz.

Ao saltar para o espaço da cabeceira, a obra é ao mesmo tempo muito presente, mas também invisível porque se dedica ao brilho da luz. Esta escultura de luz colorida muda a cada momento do dia, como um filme sem fim que nenhum visitante poderá ver na íntegra.

De Suger à NASA

Stephen Dean, Crescendo, 2023 Basilique de Saint Denis | FOTO: Stephen Dean Studio

Esses vidros, que têm a propriedade de projetar e refletir cores diferentes, conferem uma aparência instável e um jogo de luzes mutáveis. Os vitrais da escala de cores monocromática interagem e acariciam seus primos da basílica que contam a história de Saint-Denis projetada pelo Abade Suger (1081-1151) na Idade Média, assim como a arquitetura gótica da Basílica. “Crescendo” convida o espectador a se movimentar para descobrir as múltiplas facetas das projeções das nuvens cromáticas. Mas a obra também nos convida a sentar e observar como ela vive, em constante transformação.

A conotação musical de “Crescendo” toma a medida ascendente da intensidade da luz celebrando a dimensão acústica da catedral. Elo entre os mundos terrestre e celeste, a escada é um símbolo presente em todas as culturas e em muitas religiões. Aparece em várias histórias como “a escada de Jacó”, “o livro da escada de Maomé”, “a escada do presente”; também é encontrada no budismo e em certas formas de xamanismo. Metáfora literária e poética, evoca uma dinâmica ascendente, une opostos e marca uma passagem espiritual por níveis iniciáticos…

Todo o painel, bem como sua projeção no ambiente, muda globalmente de cor: o efeito torna-se máximo, difratando-se em todas as paredes, incluindo o chão e o teto, e evoca uma espécie de sonho colorido.

É uma obra inegavelmente espiritual (ou assumida como tal), meditativa, grandiosa mas modesta, prodigiosamente integrada no quadro histórico e sagrado para o qual foi concebida. Dada a harmonia transcendental que irradia, começamos a sonhar que “Crescendo” permanecerá permanentemente. Seria muito difícil imaginar outra obra que se encaixasse tão perfeitamente na abside da Basílica dos Reis da França.

E você, o que vai pensar?