O radicalismo de David Hammons

Por cinco décadas, David Hammons se tornou o arauto de uma estética da diferença, recorrendo ironicamente à sua própria experiência como negro americano. Ao colocar de lado símbolos suaves ou estereótipos mutantes, o artista tem sido capaz de abordar questões de raça, classe, história da arte e herança da escravidão de forma aguda. Bem-sucedido, foi […]

Por cinco décadas, David Hammons se tornou o arauto de uma estética da diferença, recorrendo ironicamente à sua própria experiência como negro americano. Ao colocar de lado símbolos suaves ou estereótipos mutantes, o artista tem sido capaz de abordar questões de raça, classe, história da arte e herança da escravidão de forma aguda. Bem-sucedido, foi levado a rejeitar os compromissos do “sucesso artístico”, redefinindo a arte em seus próprios termos e, muitas vezes, fora dos locais tradicionais. O seu lugar central – com cerca de trinta obras – na abertura da coleção Pinault na Bourse du Commerce (até 31 de dezembro) convida à descoberta de uma grande obra poderosa. Assim como seu vídeo “Phat Free” para a exposição de Anne Imhof no Palais de Tokyo (até 24 de outubro).

Um artista inspirado nos míticos artistas da costa oeste dos Estados Unidos.

Nascido em Springfield, Illinois (não muito longe de Chicago) em 1943, o mais novo em uma família de 10 filhos de uma mãe solo. As circunstâncias difíceis o fizeram ficar por conta própria, estudando arte em Los Angeles no início dos anos 1960 e, depois, se estabelecer definitivamente em Nova York em 1974. Foi na CalArts e no Otis Art Institute, onde se inspirou em artistas como Bruce Nauman (1941). -), John Baldessari (1931-2020) ou Chris Burden (1946- 2015), que lançou as bases de suas concepções artísticas: seu processo criativo minimiza a importância estética do objeto final; o artista explora as maneiras aparentemente infinitas em que palavras e imagens podem ser manipuladas para criar novas camadas de significado narrativo na arte. Suas composições expressam a fragilidade dos seres, suas performances não hesitam em flertar com o risco físico.

Há “também” artistas negros

O encontro com o professor Charles White (1918-1979) é decisivo para a compreensão do projeto de sua complexa obra. Conhecido por suas crônicas de assuntos relacionados a afro-americanos e suas pinturas de retratos dignos e realistas de negros americanos, o artista ativista teve o efeito de um choque elétrico que fez Hammons dizer: “Eu nunca soube que havia pintores negros ou artistas. Não havia como eu ter tido esse tipo de informação nas minhas aulas de história da arte”. Sem seguir o estilo realista tradicional de seu professor, David Hammons definirá um realismo socialmente engajado ao compor suas primeiras obras com objetos e materiais encontrados. Seu radicalismo é alimentado pelo surgimento do movimento Black Power em face de uma herança nacional racista, notadamente após o assassinato de Malcolm X e os distúrbios de Watts em Los Angeles em agosto de 1965.

David Hammons, Central Park West, 1990 | FOTO: Reprodução

Uma comunidade política formativa

Entre seus contemporâneos em Los Angeles que o influenciaram a se afastar das formas tradicionais de criação artística estavam Senga Nengudi (1943-), conhecida por suas esculturas e instalações abstratas combinando objetos encontrados e performances coreografadas; John Outterbridge (1933- 2020), compondo esculturas de sucata; Noah Purifoy (1917-2004), cujas esculturas neodadaístas incorporam e refletem o ambiente em que foram criadas, como as ruínas queimadas dos tumultos em Watts; e Betye Saar (1926-), conhecida por suas obras com uma dimensão política, denunciando a discriminação vivida pelos afro-americanos e outros membros do movimento abertamente político das artes negras.

O radicalismo do Dada e a exclusão

Do Dada à Arte Povera, seu questionamento sobre os fundamentos da estética ocidental é total. Suas performances capturam o efêmero e a vida no espaço público. Com um espírito ‘duchampiano’, David Hammons fez esculturas a partir do lixo carregado com a vida urbana afro-americana, incluindo cabelos recolhidos do chão de barbearias, ossos de galinha, tampas de garrafa e garrafas. A maior parte de suas obras tem uma espécie de magia distinta, derivada dessa transformação de objetos do cotidiano em alegorias da experiência do “estranho” excluído de toda integração.

Mova a arte para o espaço público

“Gosto mais de fazer as coisas na rua, porque a arte se torna apenas um dos objetos que atrapalham sua existência diária”, afirma David Hammons, “torna-se uma arte que diz respeito a todos”. Uma de suas obras-intervenções icônicas é seu “Bliz-aard Ball Sale” de fevereiro de 1983. O testemunho fotográfico dessa performance o mostra, muitas vezes, elegantemente vestido com um grande casaco e chapéu, em pé e encostado na parede em frente da Cooper Union.

David Hammons – Bliz-aard Ball Sale, Cooper Square, New York, 1983 | FOTO: Reprodução

Cooper Union uma utopia emancipatória. Esta escola foi construída em um novo modelo radical de ensino superior americano baseado na crença de seu fundador Peter Cooper de que uma educação “igual às melhores escolas de tecnologia estabelecidas” deve estar disponível para aqueles que se qualificam, independentemente de sua origem. Raça, religião , gênero, riqueza ou status social, e deve ser aberto e gratuito para todos.

Junto com outros vendedores ambulantes de vegetais ou joias, ele vende bolas de neve classificadas por ordem de tamanho e dispostas em um tapete colorido listrado do Norte da África. São suas obras de arte, vendidas no mercado clandestino, mostrando também uma paródia do mercado de arte onde seus preços se tornam aleatórios e não determinados de antemão. Esta obra e seus jogos conceituais resumem muitas das direções das mensagens que o artista geralmente aborda em sua obra.

Ultrapasse a onipresença da arte branca

Essas bolas de neve foram uma contraproposta decididamente efêmera ao mundo da arte e à luxúria material dos anos 80, para criar uma forma que vai além do status de um objeto – sem negá-lo – criando algo novo, diferente e crucial através do jogo de transformação e cruzamento. É exatamente isso que a arte pode trazer, mudar a sua aparência e a dos outros. David Hammons aborda o mundo da arte, o mundo dos brancos, como também foi o caso com intervenções de estilo guerrilheiro como “Pissed Off” e “Shoe Tree” (ambas em 1981), onde urinou e jogou sapatos na escultura de Richard Serra TWU (1981). Ele (re) assume o poder, a vantagem marcando seu território em um mercado de arte dominado quase exclusivamente por algumas estrelas brancas.

Mas esse manifesto da bola de neve também deve ser visto no contexto de uma época em que incontáveis ​​homens e mulheres negros foram lançados à margem da sociedade. Suas obras ou ações de rua não podem ser compreendidas sem levar em conta o que a escuridão significava (e ainda significa) no espaço público e, portanto, sem reconhecer que, ao se expor a uma esquina com seus “bens”, Hammons frustrou os estereótipos racistas associados aos negros (vagabundo, sem-teto, traficante de drogas, etc.).

David Hammons, Pissed Off, 1981 | FOTO: Reprodução

A radicalidade é construída por uma provocação silenciosa

Por sua calma, seriedade e estilo elegante, trata-se de minar os elementos que constituem a discriminação. A expressão americana “o sorvete do branco é mais frio (…seu açúcar mais doce …)” fala de um racismo internalizado que pode fazer os negros americanos acreditarem que os negócios, produtos e serviços oferecidos pelos brancos seriam melhores. Invertendo a frase, o desempenho de Hammons sugeriu implicitamente que, embora qualquer um possa facilmente fazer sua própria bola de neve, valia a pena comprar o gelo desse homem negro.

Um artista abrindo caminhos para artistas

“O público artístico é o pior público do mundo. Ele é supereducado, conservador, crítico e nunca se diverte! Por que devo gastar meu tempo me apresentando diante desse público? É como entrar na cova do leão. Recuso-me, portanto, a lidar com este público. Vou brincar com o público da rua. Esse público é muito mais humano e sua opinião vem do coração”, afirma David Hammons que quer mover a arte de onde ela está “acontecendo”. A sua recusa em entrar no mundo da arte traduz-se numa independência radical que não o vincula a nenhuma galeria. Suas exposições são sempre nos seus termos. Isso o faz dizer que é um artista para artistas, que muda as regras e, portanto, abre portas para outros. Como Marcel Duchamp (1887-1968) ou Bruce Nauman (1941-), ele brinca com “ser capaz de agir diferente”, mas não dá aulas porque seu trabalho é essencialmente feito de mistério e humor.

E agora, que legitimidade?

Podemos ver que a radicalidade de Hammons permanece intacta, como evidenciado pelo vídeo Phat Free na exposição de Anne Imhof no Palais de Tokyo.

Mas como podemos compreender o seu talento inconfundível e as suas exigências anti-sistema quando as suas obras são agora apresentadas nas mais poderosas galerias ou fundações (privadas) do mundo, e procuradas pelas coleções mais prestigiadas, ou seja, toda esta rede hiperelitista que drena seu lucro, poder e o futuro do mercado de arte? Um artista ainda conserva sua vitalidade e sua legitimidade quando se encontra nas paredes dos poderes que denuncia, pode ainda invocar, fugir do que denuncia, enquanto faz parte dele sem saber? De bom grado?

O significado do fundo Pinault na Bourse du Commerce

As questões existenciais centrais entre o artista e os seus compradores não devem certamente impedir a descoberta do conjunto excepcional de 30 obras reunidas pela coleção de François Pinault por ocasião da sua inauguração na Bourse du Commerce. Mais da metade nunca foi exibida. Em exposição estão obras em papel do final dos anos 1960 e início dos anos 1970, instalações recentes e vídeos que celebram uma verdadeira história de amizade entre o artista e François Pinault, que o coleciona há mais de 40 anos. Este último não pôde deixar de participar ativamente do enforcamento que contextualiza o todo com um jogo de diálogo coerente, como se tivesse sido feito para isso, com os grandes afrescos restaurados mostrando o mapa-múndi do final do século 19 quando as rotas comerciais são evocadas no auge do período de expansão colonial do Ocidente (Évariste-Vital Luminais (1821-1896) para a América)

David Hammons, High Level Of Cats, 1998 | FOTO: Reprodução

A maioria das facetas de uma obra irredutível

Há muito a dizer sobre esta exposição que merece um artigo inteiro, senão um livro. Destacamos, entre outras coisas, suas “pegadas”, traços de seu corpo coberto de gordura em grandes folhas de papel a meio caminho entre as radiografias do Sudário, as fotos de Man Ray e as antropometrias de Yves Klein adaptadas à cultura afro-americana; sua famosa bandeira “Oh, diga, você pode ver” (2017), uma bandeira pan-americana vermelha, verde e preta, crivada de balas, por uma nova nação, uma nova visão e, portanto, uma nova verdade; a videoinstalação “Segurança mínima” criada para a exposição, alude à prisão estadual de San Quentin, na Califórnia ao norte de São Francisco, onde a pena de morte ainda existe. Em uma sala escura onde nada está acontecendo, uma cela sem parede é mostrada. Em um vídeo que faz parte do set, o artista aparece com seu grande casaco e chapéu. Ele abre uma porta desnecessariamente fechada, bebe um gole de álcool que cospe enquanto borrifa o local, oferecendo assim um momento de sacralização, mistério e protesto.

David Hammons Oh say can you see, 2017 | FOTO: Reprodução

Viva sua vida como um trabalho

A vida de David Hammons é sua obra e vice-versa. Fora do alcance de suas obras poderosas, que o tornaram um dos artistas mais procurados, mas também o mais ouvido, sua autonomia artística é assumida e construída em estratégias que evitam qualquer confinamento ou recuperação. Essa é uma qualidade que ele refina para manter suas múltiplas identidades – artista, cosmopolita, americano, afro-americano – em um jogo contínuo.

Os parisienses têm muita sorte de poderem encontrar tantas obras juntas hoje. Uma viagem ao Whitney Museum em Nova York também permitiria aos visitantes descobrir Day’s End, uma obra permanente recente, outra faceta de um artista que é difícil de colocar em uma caixa.

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